lola gassin

After

2011-12-31T16:30:00.001+01:00

"After" c'est ce que je voudrais faire l'année prochaine, c'est-à-dire demain ; un blog mieux fait, plus facile à mettre en route juste au moment où j'ai une idée, ou bien quand quelque chose m'amuse, me révolte, m'enuie, me fait rêver...

Quelque chose qui aille très vite, sans prétention journalistique, encore moins littéraire et encore bien moins poétique ; pas trop intime quand même, pas larmoyant ou moralisateur, quelque chose de personnel et distancié, quelque chose quoi....

Je travaille avec une amie sur cette nouvelle formule et il semble qu'il faille que je change de truc (vous savez, d'adresse de blog...) et ça m'ennuie, alors pour ne pas rester en 2011 sur mon dernier vieux message, je vous envoie celui-ci avec mes voeux.

"After", en réalité, c'est un bouquin qui m'a cligné de l'oeil quand je suis passée devant ma blibliothèque (ils font tous ça, vous savez...), auquel je n'ai pas résisté et qui m'a fait hurlé de bonheur !.

Produit par la Villa Arson, il présente une série de photogrphies réalisées par Jean-Max Colard et Thomas Lélu, issues d'une sorte de pari (si j'ai bien compris) que nous aurions tous pu faire, nous qui avons un brin de connaissance sur l'art contemporain. Il s'agit de se dire (de préférence à deux) : et ça, ça te fait penser à quoi, à qui ? Ensuite et c'est là qu 'est l'art, de fixerdans le temps, ce bref constat en phototgraphies simples,sans arrière-pensée artistique.

Le résultat ? C'est intelligent, léger, sans prétention, plein de culture... J'aimerais bien que, de temps en temps, dans le monde artistique on soit un peu léger comme ça. Que l'on dise avec simplicité : "si j'ai fait ça c'est grâce à un untel, ou avec l'aide de quelqu'un, ou en me souvenant de ceux qui..." Que l'on ait, de temps en temps, cette honnêteté et cette reconnaissance.

A Colard et Lélu un grand merci pour m'avoir inspiré ce billet.

De quoi s’inquiéter pour l’avenir de nos filles …

2011-12-03T20:39:00.000+01:00

Depuis quelques mois je me suis abonnée à ELLE, histoire d’être un peu au courant de ce qu’il faut savoir ! Par exemple que Kate Moss porte dix fois le même petit blaser (incroyable !) ; que Jennifer Aniston s’habille beaucoup plus court (peut-être pas une bonne idée) ; que DSK ne cautionne plus ce qu’écrit son biographe (on s’en serait douté) ; que la méditation se pratique en dix commandements (je vous les épargne)et enfin, que de semaine en semaine, tout ne va pas trop mal pour le Lion (mon signe).

Me voilà une femme rassurée, enfin si l’on veut, car ce qui risque d’arriver à notre sexe qui commençait à sortir gagnant de millénaires d’oppression et d’exploitation, n’est pas rose, loin de là.

Ces beaux printemps arables qui ont fait fleurir la liberté, avec l’aide des femmes, semblent ne plus l’offrir qu’aux hommes et leurs religieux n’ont de cesse que de remettre notre sexe en cage. Intégrisme islamiste nous dit-on pour nous rassurer mais pas seulement islamiste, et c’est «ELLE» qui m’ouvre les yeux !

A Jérusalem, les ultrareligieux gagnent du terrain et leur mur pourrait bien devenir celui des lamentations des femmes…Lisez cet article, vous verrez qu’il n’y a pas que la longueur de nos jambes et la rondeur de nos fesses qui nous intéresse ; notre sort et celui de nos filles aussi !

A propos de Benetti par Stephane Penxten

2011-11-25T17:23:00.001+01:00

Mauro Benetti

(…) « Benetti, c'est l'Italie de Rafaël et du Caravage, de Masaccio et de Vinci, d'Uccello et de Botticelli. Mauro, c'est l'enfant de Mario Merz et de Marinetti, de Luciano Fabro et de Piero Manzoni, de Pino Pascali et de Lucio Fontana. Italien, vivant à Turin, il l'est plastiquement dans ses tentatives de conjuguer l'espace sensible à la dimension du concept; il l'est artistiquement dans sa volonté d'imbriquer l'analytique et le poétique; il l'est humainement dans son besoin d'associer le mystère à la séduction. A la fois grave et futile l'homme aime se rappeler qu'il est un enfant. L'artiste, lui, n'oublie pas qu'il veut aussi s'amuser, s'étonner.

L'ambivalence post-conceptuelle

Comme beaucoup d'autres de sa génération, Benetti ne peut pleinement adhérer au seul concept comme finalité de l'art. Pas plus qu'il ne peut se chausser des simples principes tautologiques d'un art minimal ou pauvrement référentiel. L'art dans son objet est aussi matérialité, cristallisation de l'affect, expression du sensible autant que support de la mémoire, champ d'investigation et espace expérimental. S'il est impensable aujourd'hui de réfuter l'inamovibilité du concept, il est tout aussi impensable de s'en contenter sous peine de stériles redondances. Cette conscience nouvelle qui veut marier Apollon et Dyonisos se traduit chez Benetti par une volontaire perversion des genres, mais sans souci de l'ambigüité, trop savante. Il dénature en toute innocence. Benetti se veut peintre mais hors du champ littéral de la peinture: au-delà de simples rapports entre la surface et la couleur, entre la forme et la matière ». (…)

Espace de vie

La partie pour le tout, la goutte d'eau comme infini dans l'immensité océane c'est l'histoire de l'artiste et de l'œuvre inscrite dans le territoire de sa peinture. Une loupe de verre imbriquée dans la toile dévoile des espaces sous-jacents. Ici l'atelier, son lieu de vie et son espace de création; là, une cloche, un élément de son environnement sonore. De l'autre côté de la peinture, l'œil collé au globe de verre, le visiteur bascule dans l'histoire, l'anecdote, le vécu, l'infra-mince, l’'inattendu. Col1é au tableau, l'œil n'aperçoit plus la peinture et découvre un minuscule espace de vie, une particule de temps.

Tout comme l'astronome que l'œil vissé à la lorgnette projette dans l'infiniment grand, tout com me le biologiste que le microscope aspire dans l'infiniment petit. L'universel où se tient-il si ce n'est toujours ailleurs et donc forcément en nous ?

Benetti voyage sans cesse du macro au micro. Mais il est de ces voyageurs immobiles que la barque de l'esprit et de la rêverie transporte sur les océans de la mémoire. Le monde qu'il transcrit, l'espace qu'il développe sont siens, construits de ses propres émotions. L'histoire des sa peinture est avant tout la peinture de son histoire, son propre espace de vie. (…)

Espace et dimension

L'espace de la peinture ou la peinture de l'espace, entre ses deux dimensions Benetti ne choisit pas. Il intègre la couleur et l'objet. Il fusionne peinture et espace. Il fait de la peinture une affaire de dimension. Espace et temps sont intégrés dans un rapport d'ambivalence. Peinture et sculpture; volume et surface n'échappent pas à cette même conception cosmogonique. Un fil réel ou virtuel les associe dans plusieurs pièces. Tantôt dessiné sur la toile, tantôt s'extrayant de la toile, ce fil tisse inlassablement, tel un I lRuban de Moebius, les liens qui relient la mémoire et les faits, l'abstrait et le concret, la peinture et l'art, le mythe individuel à la perception collective. Dualité serions nous tentés de dire alors qu'il faut écrire ambivalence. Ambivalence des signes de la peinture et de la peinture elle-même, ambivalence du lieu de la peinture et de l'espace de la peinture.

Stephane Penxten

(octobre 1992)

A propos de Benetti

2011-11-25T17:15:00.002+01:00

Un mot de Jany Pedinielli à propos de l’exposition Mauro Benetti.

Quand j’entre chez toi, pour un vernissage chez LOLA GASSIN, si je n’accroche pas tes yeux tout de suite, je me dirige droit vers ton jardin extraordinaire sans un regard pour ce qui est exposé (je réserve cela pour un peu plus tard). Ton jardin, au cœur de la ville, est accueillant, harmonieux, paisible et protecteur. Je m’y promène quelques minutes, les souvenirs affluents. Tout est passé si vite.

Le jeudi 10 novembre, c’est le vernissage de Mauro Benetti ; à peine arrivée dans l’embrasure de la porte-fenêtre, je me fige. A quelques mètres de moi, dans le jardin obscur, la lune immense flotte. Je perçois simultanément, au premier plan un peu à gauche, le tracé en perspective d’un seuil fluorescent ouvrant sur la nuit.

L’attraction opère et je franchis les portes du vide en avançant lentement comme en apesanteur.

Un disque surdimensionné révélant une géographie floue et familière, en appui contre un arbre, des droites en métal couvert de peinture réfléchissante, l’éclairage directionnel de deux spots, et la géométrie entre dans l’espace. Avec des éléments minimaux, Mauro Benetti compose une installation à la fois légère et délicate pour recréer l’infinitude de l’espace: l’exploration ne fait que commencer.

Repères effacés, instant de déséquilibre, un nouveau rapport de proportions s’établit. Une dimension nouvelle happe, absorbe, et le connu passe à l’inconnu(e).

La recherche dans le macrocosme est relayée à l'intérieur de la galerie par l'auscultation du microcosme dans des toiles prolongées par des bas-reliefs de polystyrène. Dans ton texte, tu décris et expliques bien le fonctionnement de cette pratique et le concept qu'elle illustre.

J'ai lu avec intérêt le texte de 1992 * sur M. Benetti. Avec les deux articles et ton exposition, on voit comment le travail de M.Benetti s'inscrit dans la continuité de son positionnement artistique initial.

Merci Hélène d'avoir provoqué avec cette exposition, un renouvellement de l’expérience du passage de l'infiniment grand à l'infiniment petit, perception qui se révèle toujours troublante et déstabilisante.

*texte joint
Je t'embrasse
Jany

Mauro Benetti

2011-11-02T17:03:00.008+01:00

« Une certaine inquiétude"

Bien qu’il ne soit pas nécessaire pour une galerie de justifier ses choix artistiques, j’aimerais cependant expliquer comment j’ai connu le travail de Mauro Benetti et pourquoi, bien des années après, j’ai choisi de le faire redécouvrir à Nice.

Yvette Bernizan, qui fut longtemps la collaboratrice de la galerie Persano, a continué à suivre le parcours de certains artistes de cette galerie turinoise. Elle m’a permis de reprendre contact avec Mauro Benetti dont j’avais admiré le travail lors de sa présentation sur la foire Art Jonction International.

Soutenu aujourd’hui par la galerie Vaccarino Arte avec laquelle j’organise cette exposition, Benetti n’est pas un inconnu pour le milieu artistique français. Exposé au Carré Musée Bonnat à Bayonne en 1992, puis au Centre d’Art Contemporain de Mont Marsan en 1996, il participa avec la galerie Giorgio Persano à Art Jonction à Nice en 1999.

Partant en peinture d’un « dripping », un enchevêtrement de goutes qu’il laisse couler les unes après les autres, il s’exprime aussi dans ce medium par une superposition des lignes qui créent une sorte de résille, un canevas d’une peinture dense et coloré. Diverses investigations jalonnent successivement son parcours : déchirures, signes, peintures voilées par un verre blanchi… un chemin intérieur qui le conduit vers cette interrogation récurrente : quelle réalité se cache derrière la réalité ? N’y a-t-il pas derrière ces trames, ces résilles, autre chose ? A l’aide de l’ordinateur Mauro Benetti explore alors sa propre peinture, agrandissant à l’extrême l’intersection des gouttes qui laisse apparaitre une image (porte, fenêtre…) d’une autre réalité non visible à l’œil nu. Montées sur plexiglas, ce sont ces pièces que je remarquai à Nice en 1999.

Après un long silence (de ceux dont les artistes se nourrissent pour ressurgir tel le phœnix), le travail Mauro Benetti est de nouveau mis en lumière par diverses expositions en Italie. Claudio Bottello Contemporary l’expose en 2009 et 2010 à Turin. Il remporte le Prix National de Peinture Romano Reviglio. Il est sur les cimaises de la galerie Zabert à Turin puis sur celles de Vaccarino Arte à San Mauro Torinese. En 2011, le Palais Salmatoris à Cherasco met à sa disposition la beauté de ses salles historiques pour un parcours que la critique Marisa Vescovo décrit comme ce qu’on pourrait appeler une « intrigue narrative » ou encore, une re-figuration de l’expérience de l’artiste.

Sans avoir l’ampleur de la présentation au Salmatoris, l’exposition que nous montrons à Nice regroupe des peintures, des sculptures et une installation qui ,comme le dit l’artiste, s’appliquent à déceler le mystère que représente la vie dont nous ne percevons que la surface, « la croute » et dont, bien souvent, le sens profond nous échappe.

HJG

http://www.le-musee-prive.com/expositions/mauro-benetti-galerie-lola-gassin.html

« We were horses » Carolyn Carlson/Bartabas

2011-07-12T00:15:00.003+02:00

Magie d’un rencontre, celle de deux créateurs, magie d’être conviée à ce spectacle qui me fait tardivement découvrir Bartabas qui est, pour des gens que j’aime, une référence absolue. Magie enfin de retrouver la musique envoutante de Phil Glass, radicalisée à l’extrême pour mettre en orbite cette transe où se mêlent hommes et chevaux.

Vision sublime que ces amazones traversant la piste comme des flèches, chorégraphie graphique évoquant des décors étrusques, des fresques antiques, des paradis perdus...

Au chapiteau de Fonvieille, Monaco, mais où qu’ils passent , allez les voir !

MOYA

2011-07-11T16:39:00.000+02:00

Les Cahiers de la Huppe ont publié le 31 mars 2011 un carnet de 51 dessins d'animaux de Patrick Moya, Le Bestiaire de Moya.
Plus d'infos sur http://www.lescahiersdelahuppe.com et http://lescahierselahuppe.blogspot.com.

Nice Jazz Festival, première soirée

2011-07-10T01:22:00.002+02:00

Arrivée à 20 heures, je retrouve les amis grâce au téléphone portable… Comment faisait-on avant pour se rencontrer ? On se sépare vite, chacun ayant déjà fait ses choix. Cimiez nous manque un peu, surtout les oliviers et l’herbe… L’asphalte et dure pour nos petits derrières (je conseille d’emporter un coussin), mais la merveille pour nous, citadins, c’est de venir à pied au Jazz ! Pas de galère de parking, de contraventions. Rien que ça, c’est déjà gagné pour le changement de lieu !

Donc pour ce premier jour on a le choix et qui dit choix, dit dilemme (j‘ai toujours eu un faible pour Michel Legrand) entre le podium Masséna et le Théâtre de Verdure… Je commence avec Kind of the Blue revisité, impeccable, bons musiciens, mais un peu trop « revisité », il ne faudrait pas oublier que Milles avait de la folie, on est pas à la messe !

Beaucoup moins sages et sacrément plus créatifs Mike Stern (en voilà un qui en a de la folie !) et Didier Lockwood ; ça décolle et les aigus de Lockwood vous titillent les tympans. Mais je constate que l’heure avance et que Legrand doit commencer avec le big band de Nice Jazz Orchestra. Bondé le Théâtre mais de gens très courtois sauf quelques grincheux qui ne supportent pas qu’on leur cache un peu la vue…

Là, c’est dur … Surtout quand dans les années 70, on a passé des nuits blanches en famille au col de Vence à écouter ce grand musicien égrener ses créations de sa voix inimitable et tellement sexy… Monsieur Legrand, il faut savoir s’arrêter quand on a si bien travaillé !

Je retourne vite au Podium Masséna où John McLaughlin & The 4th Dimension se déchaîne. Heureux réveil ! Il est beau ce grand gaillard et il joue bien, mieux, je trouve, que dans sa jeunesse où il était un peu mou. Super, son guitariste basse/black aux gants noirs et ce grand fou, très british, au clavier ! Mais le plus beau était à venir. Stern et Lockwood arrivent en guest stars et la fête commence… Quel bœuf !

Maintenant quelques notes à la Ben Vautier pour les espaces. Le Village Partenaires parfait, vaste, avec parquet et canapés blancs. Bon champagne et buffet agréable, 9/10 mais on entend rien de ce qui se passe ailleurs. L’Espace Presse pas génial, quelques petits pains et du rosé… peu de presse à part les incontournables de Nice… 4,5/10. Le Théâtre de Verdure plein à craquer et plutôt inconfortable, assis comme debout7/10. Le Podium Masséna, belle scène, bons éclairages, sono parfaite mais une épreuve physique pour le public4/10 mais 9/10 pour l’ambiance.

Pourquoi ne pas emprunter ses chaises de la Promenade, ce serait bien pour la note bleue ! Ou construire l’année prochaine un amphi face à la scène où les gens pourraient s’assoir sur les gradins et devant, pour ceux qui veulent être proches des musiciens, un parquet ou un revêtement tendre qui évite qu’on se prenne les pieds dans les bordures ou qu’on culbute dans le bassin.

Any way, bon jazz pour les jours futurs, malgré ces petits inconvénients et rendez-vous à l’année prochaine.

Le catalogue raisonné de Patrick Moya

2011-06-21T16:40:00.001+02:00

C’est un magnifique document réalisé par les éditons artstoarts sur 30 ans de travail de Patrick Moya. Ces deux volumes sortis des presses de l’imprimerie Deux-Ponts, avec des reproductions en couleur de grande qualité, sont des outils incontournables pour les galeries qui suivent Moya et une œuvre de plus pour les murs des collectionneurs qui l’aiment et le suivent.

La galerie Ferrero a fêté l’événement le 16 juin 2011 avec une jolie brève exposition et Moya dédicaçait, dessin à l’appui, les livres que de très nombreux acheteurs lui présentaient.

La soirée continuait Castel Plage qui s’est octroyé le nom de « plage des artistes » et là les choses furent moins éblouissantes. Malgré un matériel d’enfer pour projeter les images de la fameuse Ile Moya les visiteurs amis, arrivés vers 21heures comme le stipulait le carton, se trouvèrent devant un buffet quasiment vide et un gobelet en plastique à demi plein. Pour le réapprovisionner on vous envoyait assez vertement vers la caisse enregistreuse. Le sponsor, s’il était là, a dû regretter son investissement ! Et cerise sur le gâteau (mais sans pâtisserie) lorsque j’ai tendu la main vers un plateau de vagues barquettes brunâtres, le serveur, très stylé (comme le reste du personnel d’ailleurs) m’a dit « casse-toi » en retirant son plateau !

Comme lors de la soirée Botox(s) où là, il n’y avait rien pour accompagner le verre de vin, je me suis demandée, l’autre soir, si la plage des artistes ne devait pas être rebaptisée la plage des gogos.

Par ailleurs, Moya n’aurait sans doute pas participé à l’ACCA (L’art contemporain et la Côte d’Azur) sans l’esprit libre et frondeur de Frédéric Ballester qui lui réserve une présentation muséale à la Malmaison le 26 juin à Cannes.

Ne faudrait-il pas d’autres esprits libres pour rendre hommage aux absents ? Quelques-uns me viennent en tête : Lanneau, Pedinielli,Thupinier et bien d’autres que j’oublie sur l’instant (qu’ils me pardonnent)!

Georges Lautner

2011-06-12T18:01:00.003+02:00

Dans la grande salle voûtée du « Moulin » de Georges Lautner à Grasse, on se croirait revenu au bon vieux temps ! Des fils électriques courent partout, les projecteurs sont sur leurs pieds, les ingénieurs du son tendent leurs perches, la caméra est en place, les chiens se taisent (miracle), le chef opérateur demande s’il y a le point, silence : « on tourne » !
C’est dans cette ambiance très particulière que j'ai demandé à Lautner d’évoquer quelques souvenirs de travail à Nice, en particulier à l’hôtel Negresco, pendant que se fabrique sur lui « Empreintes », un documentaire de 55 minutes que les téléspectateurs verront sur France 5, en septembre 2011. On doit ce document, qui s’annonce à la fois tendre, truculent et irrévérencieux (si on en juge par les bribes glanées au cours de la journée), au projet de Dominique Ambiel, son producteur (« Cinéma, cinéma », « Cinéma de notre temps »…) et à Vincent Roger, son réalisateur, qui interroge et filme Lautner, passé maître en autodérision !

Durant une pose, je demande à Georges ce que le Negresco évoque pour lui.
Il s’attendrit : « Le Negresco, c’est Nice pour moi ! Ce bâtiment blanc et majestueux promenade des Anglais - c’est spectaculaire - oui, mais pour moi ? D’abord, je suis né dans la rue qui le borde, 10 rue Cronstadt, au Palais Cronstadt, on appelait les immeubles comme ça ! C’est là, au 3ème étage, que ma mère a accouché ! J’ai été baptisé dans l’église derrière. Et puis… si mes souvenirs sont bons, mon grand-père maternel y a travaillé - il était portier de nuit, je crois - il a fait tellement de métiers de cette sorte que je mélange tout…
Le Negresco, mes acteurs le fréquentaient, c’était la tradition et la trésorerie des films était d’accord mais nous, les intermittents du spectacle, il fallait qu’on coûte moins cher…
Mon premier souvenir exceptionnel - c’était lors du tournage de « Ne nous fâchons pas ». Lino Ventura logeait au Negresco. Il était mécontent parce que le film était trop comique. Il trouvait le jeu de Jean Lefebvre, qui se faisait gifler, drôle mais répétitif. Il a exigé la venue de notre producteur, Alain Poiré de chez Gaumont. Moi, bon technicien, je me levais à 5 heures ; déjeunais à 11 heures (avant, je fabriquais la journée) ; on tournait de midi à 7 heures et demie, puis on projetait à la Victorine le travail de la veille. Je pensais voir Lino à 20 heures. Pas du tout. Il avait organisé la soirée dans un restaurant italien, et après un dîner délicieux mais long et copieux, nous eûmes la réunion au sujet de notre mésentente dans le salon du Negresco. Et là, dans un fauteuil à haut dossier, j’ai été terrassé par le sommeil. J’ai choisi de dormir… Quel désastre ! On s’est séparé dans un drame. Michel Audiard et moi, on marche dans la rue, histoire de se détendre, et on se marre. Tout d’un coup, on croise Lino qui, nous voyant rire, est persuadé que c’est à ses dépens… La fin du film fut pénible et je n’ai plus jamais travaillé avec Ventura. Ce n’est pas toujours facile, le Negresco !
J’y ai aussi habité avec Belmondo, c’était merveilleux. Je me souviens d’une histoire… Je ne sais si tout est vrai mais elle est belle. Belmondo a grimpé vers sa chambre par l’extérieur de l’hôtel, le long de la façade. Sa chambre était au 4ème étage. Arrivé là, il a défoncé la fenêtre pour entrer. Oui, mais ce n’était pas sa chambre !
Oui, le Negresco c’est plein d’histoires » !
Notre Tonton flingueur, durant cette tirade, en oublie la scène du billard dans Les Seins de glace, tournée au Negresco… Les amis, Robin Davis, metteur en scène, qui fut son assistant pendant dix ans, et Elisabeth Guido, son assistante monteuse, le lui rappellent ainsi que d’autres anecdotes tout aussi croustillantes…

Georges Lautner, dont le père était bijoutier à Nice et dont la mère, la comédienne Renée Saint-Cyr, était née à Beausoleil, a toujours adoré la Côte d’Azur. Il y a acheté dans les années soixante un ancien moulin à huile à Grasse, qu’il habite souvent, de préférence à Neuilly… Par fidélité à sa région natale il a tourné dix-huit de ses quarante-deux films sur la Côte : Il était une fois un flic ; On aura tout vu ; Joyeuses Pâques, etc.
Un hommage lui sera rendu par la Ville de Grasse du 14 au 22 septembre 2011.

Le Negresco Magazine,printemps/été 2011

Petits échanges entre inconnues...

2011-06-06T12:18:00.004+02:00

J’ai lu en effet l‘article d’Amélie Pékin sur Bernar Venet. Je lui trouve de notoires défauts, en plus du fond de commerce de l’auteure qui est de cracher systématiquement sur ce qu’elle-même, elle n’arrive pas à faire, c'est-à-dire occuper les médias :
- le premier est d’avoir pompé le titre « Vernar Benêt » sur l’artiste Jean Dupuis, virtuose de l’anagramme et de la contrepèterie, qui l’a trouvé et employé depuis fort longtemps.
- le deuxième et le plus grave peut-être (quoique copier sans citer ses sources n’est pas joli) est de truffer sa diatribe d’inexactitudes… comme par exemple le soi-disant mariage de Venet avec une riche Américaine alors que Diane Venet est tout ce qu’il y a de plus française et que la première femme de Bernar « Ella »était une danseuse franco-russe et qu’ensemble ils ont longtemps tiré le diable par la queue….
Détails peut-être... En tout cas je ne vois aucun courage dans l'intervention(au contraire très au goût du jour) d'Amélie Pékin, pas plus que je n’en vois dans votre indignation à propos de l’installation de Pascal Marthine Tayou à Lyon qui, en tant que Camerounais, en connait peut-être un bout sur la misère africaine…
Il faut étudier un peu plus l’art d’aujourd’hui, comme les raisons pas du tout blasphématoires de Serrano de créer « Piss-Christ » pour agresser ce qui n’est pas forcement au goût du plus grand nombre… Quant à donner des voix à Marine Le Pen, ne craignez rien, ces voix-là (celles de la bêtise) lui sont déjà acquises !
Supprimez-moi s’il vous plait de votre carnet d’adresse, nous ne sommes pas du même bord.

De : nicole esterolle [mailto:nicole.esterolle@gmail.com] Envoyé : jeudi 19 mai 2011 08:31À : undisclosed-recipients:Objet : Pendant que Vernar Benêt est au château de Versailles…
La chronique n° 13 de Nicole Esterolle à l’usage de journalistes et chroniqueurs d’artPendant que Vernar Benêt est au château de Versailles… à Lyon, des cathos présumés intégristes profanent une oeuvre d’art contemporainJ’avais l’intention de consacrer cette chronique n° 13 au sculpteur monosémique français d’envergure supra-nationale Bernar Venet à l’occasion de l’exposition de ses gigantesques œuvres en acier corten dans les jardins du Château de Versailles…Et puis je tombe sur le texte de mon excellente consœur Amélie Pékin paru dans le magazine Artension … Difficile de faire mieux ! Alors, je vous envoie cette page que j’ai tout spécialement scannée pour vous.Saluons le courage d’Amélie Pékin et du dit magazine, qui, autant que je sache, sont les premiers à oser flinguer avec autant d’allégresse ce produit emblématique de l’imbécilité artistique officielle au pouvoir dans l’ hexagone. Car la question qui se pose concernant ces énormes bouts de ferraille tantôt raides, tantôt tirebouchonnés ( la même d’ailleurs qui se pose pour les blockhaus du mur de l’Atlantique, pour l’architecture soviétique, pour les colonnes de Buren, pour les centrales et déchets nucléaires ) est celle-ci : comment va-t-on bien pouvoir se débarrasser un jour - quand on sera moins con-temporain qu’aujourd’hui - de ces monstrueuses et informes crétineries, pour oublier à tout jamais ces témoins de la déliquescence créative de notre époque ?Enfin, pour attester du caractère vraiment fabuleux du parcours de l’artiste (et du niveau de crétinerie de notre époque) , je vous ai réservé cet extrait d’un texte du fameux critique d’art Bernard Marcadé, commissaire de l’exposition à Versailles : « En 1961, lors de mon service militaire à Tarascon, Bernard Venet avait réalisé une performance où on le voyait couché au milieu de détritus. C’était sa première oeuvre revendiquée comme telle. Plus de 50 ans après cette action, l’artiste occupe la cour d’honneur et les jardins du Château de Versailles … » ______________________________________________________________A Lyon, des cathos présumés intégristes profanent une oeuvre d’art contemporainCa y est : la colonne de casseroles de 7 m de haut que l’artiste Pascale Martine Tayou avait installée dans l’église Sainte Bonaventure vient d’être fracassée par ce que l’on soupçonne être un groupe de cathos intégristes.Ainsi, la profanation escomptée s’est bien produite, le scandale a bien éclaté, et tout ceci pour la plus grand profit médiatique de l’artiste, du musée d’art contemporain, du curé de la paroisse et de la ville de Lyon . Il y a eu en effet des articles dans tous les journaux régionaux et nationaux et une double page dans le Monde où l’attentat de Lyon est associé à celui, concomitant, d’Avignon (où l’on a vu, à la fondation Lambert , la fameuse photo d’Andrés Serrano - celle du Crucifix trempé dans l’urine - également fracassée par le même type de cathos présumés fachos .). L’opération de com’ a donc fonctionné à merveille et les différents concepteurs et promoteurs du tas de casseroles s’en frottent les mains, car, au prix où sont actuellement les espaces publicitaires, l’ensemble de la surface gratuitement consacrée au récit de cet événement dans tous les médias, doit bien représenter quelques centaines de milliers d’euros.Alors, bien sûr, ce que l’on pourrait attendre de ces médias, de ces commentateurs, de ces journalistes, plutôt que d’être les complices passifs de cette grosse opération de communication sans contenu artistique, c’est qu’ils effectuent un vrai travail d’investigation, d’information et d’explication; c’est qu’ils fassent leur boulot, c’est qu’ils essaient de s’informer et de nous informer sur les véritables enjeux en amont, sur les bénéfices sous-jacents des différents protagonistes de cette histoire.Voici ce qu’ils auraient pu expliquer et dire, si l’omerta oppressive qui règne en matière d’art contemporain ne les rendait pas tout avachis de la plume, du cœur et du cerveau:1- Expliquer pourquoi c’est un curé réputé pour ne rien sentir ni comprendre à l’art, qui a accepté le deal avec l’artiste et le MAC Lyon, et comment cette méconnaissance de l’art - et peut-être de la foi chrétienne - le place ainsi aux avant-gardes des deux. Savoir si l’utilisation d’un édifice public à des fins de mise en scène personnelle avait l’assentiment de sa hiérarchie et de ses ouailles. Expliquer en quoi cette colonne de gamelles atteint un niveau record d’irrespect envers la dimension sacrée de l’art, envers la foi des bâtisseurs d’églises et de cathédrales. Dire que 95% des paroissiens (et des lecteurs de journaux) qui ont réagi sur internet, ont exprimé leur désaccord sur la présence de cette colonne, sans être pour autant d’affreux intégristes, et sans qu’on tienne compte de leur opinion, etc.2- Dire qui est cet artiste opportuniste qui joue à fond la carte de l’africanité pour se placer dans les réseaux de l’art international, qui utilise cyniquement le thème de la misère africaine pour fabriquer un produit de haute spéculation artistico –financière, qui hurle au racisme anti-black dès qu’on conteste la validité artistique de ses tas de matelas , de parapluies, de tables, de chaises de poubelles, de casseroles, de détritus divers, etc. Expliquer pourquoi il avait besoin de cet alibi du curé de Sainte Bonaventure, et pourquoi l’attentat dont son oeuvre a été l’objet va augmenter considérablement sa cote sur le marché du Financial Art des collectionneurs milliardaires.3- Dire le profit que va en tirer la ville de Lyon pour son image de cité en permanente effervescence culturelle et à la pointe du combat pour l’art contemporain de haut niveau4- Dire pourquoi le caractère très souvent provocateur, transgressif, sacrilège, blasphématoire et scandaleux de l’art contemporain est indispensable à son efficacité médiatique, parce que cet art est avant tout conçu comme vecteur et stratégie de communication. Et, dans cette optique, expliquer pourquoi le sujet religieux est particulièrement apprécié pour faire du buzz et du pognon, puisque les deux sont intimement liès. Rappeler l’existence de ces quelques artistes parmi les plus chers du monde parce que les plus performants dans l’outrage aux symboles religieux : Maurizio Cattelan et son Pape écrasé par une météorite, Andrès Serrano et son Crucifix trempé dans son urine, Chris Ofili et sa Vierge Marie à la bouse d’éléphants, Martin Kippenberger et sa grenouille crucifiée, etc. Rappeler aussi le cas d’une grande prêtresse de l’art contemporain en France, notoire fornicatrice débridée devant l’éternel, qui se vantait d’avoir copulé avec tel grand galeriste parisien sur l’autel de l’église de Saint Germain des Près…5- Expliquer pourquoi et comment le Musée d’Art Contemporain de Lyon s’inscrit totalement dans cette logique de com’ sans foi ni loi d’abrutissement des populations, d’instrumentalisation cynique de l’art et de la foi chrétienne, sous prétexte de rayonnement culturel .6- Expliquer enfin aux politiques et cultureux de tous bords comment et pourquoi, grâce à eux, cette misérable histoire de casseroles empilées dans une église de quartier va gratifier Marine Le Pen de quelques milliers de voix supplémentaires sur la ville de Lyon.(Ce communiqué est 7000 chroniqueurs et diffuseurs d’art au niveau national)

Les acquisitions récentes du MAMAC

2011-04-28T00:29:00.005+02:00

Comprendre ce qui détermine le choix des œuvres des onze artistes achetées récemment par le MAMAC n’est pas chose facile. Certaines sont essentiellement acquises par le musée, d’autres avec le soutien du FRAM* PACA, parfois doublé de l’appui d’un sponsor…
Cette cuisine interne ne crée pas de hiérarchie dans l’importance des œuvres, mais la participation financière des instances régionales renforce la légitimité de la plupart de ces choix. C’est le cas pour Palette d’artiste Katarina, une œuvre relativement tardive de Daniel Spoerri que le MAMAC se devait d’avoir, compte tenu de l’articulation essentielle de son programme : le rapport entre le Nouveau Réalisme européen et l'expression américaine de l'Art d'assemblage et du Pop Art. Pertinents, donc, les achats d’Untitled de Barbara Kruger, même s’il s’agit d’art politique, et de Untitled et Hero de Robert Longo, car ces artistes sondent l’importance des images et des symboles dans la culture populaire américaine. Le Sagittaire, don de Jean Dupuy, entre dans l’histoire du musée à double titre : le succès new-yorkais de l’artiste en 1968 et sa fréquente participation au mouvement Fluxus…
S’il faut trouver un dénominateur commun aux pièces (parfois deux) achetées à Pat Andrea, Denis Castellas, Valérie Favre, Gregory Forstner, Philippe Gronon, Stéphane Pencrea’ch, Alun Williams, disons, grosso modo, qu’on s’adresse là à des artistes de qualité, encore jeunes pour la plupart, tous peintres et figuratifs, excepté Gronon, qui ont plus ou moins un lien avec Nice et dont l’œuvre revisite l’histoire de la peinture.
* Les Fonds régionaux d’acquisition des musées (FRAM) ont été mis en place sur l’ensemble du territoire national en 1982 à l’initiative de l’Etat, dans le cadre de la politique globale de décentralisation.
HJG
Promenade des Arts, Nice

Mille raisons de m'insurger contre Nice-Matin...

2011-04-26T12:18:00.007+02:00

Deux jours de suite plus de 32 pages (sans compter les éternelles pages sport) sur le foot parce que Nice dispute un match avec je ne sais qui, et que d'ailleurs on perd ! En revanche, une page à peine sur la politique étrangère et sur l’art... la pénurie.
Un autre jour, 46 pages sur l’association Solidarsport (je sais, en partenariat avec l’Education nationale) et pour le reste, des miettes !
Tous les jours, je me promets d’écrire au courrier des lecteurs, mais voyant qu’en général le journal ne passe que ce qui le loue, je m’abstiens : « peine perdue ».
Alors soyons positifs (comme disent les Américains), aujourd’hui je voudrais rendre hommage au très beau billet de Nicole Laffont sur Marie-France Pisier, dont nous sommes si nombreux à regretter la disparition. Si vous ne l’avez pas lu, le voilà !
A l’avenir et quand j’aurais du temps à perdre et des choses à redire, je passerai mes humeurs en les exprimant sur mon blog car, hélas, Nice-Matin est le seul quotidien à exister sur la Côte d’Azur… ce qui est, en soi, déjà scandaleux !

Un petit dernier...

2011-04-25T16:42:00.001+02:00

Carros, « De fond en comble »
Intervenir dans le Château de Carros et réhabiliter la partie ouest pour qu’elle accueille plus largement le fonds permanent du CIAC* et permette la création d’un atelier d’arts plastiques consacré à des activités pédagogiques et lieu d’accueil d’artistes en résidence, était la gageure de ces travaux de rénovation.
Courant 2007, Max Charvolen, peintre et Suzanne Hetzel, photographe, ont travaillé sur les espaces à rénover afin d’y enregistrer les traces de l’histoire du lieu et en donner leur vision subjective.
Charvolen a réalisé une trentaine de prélèvements qui lui ont permis de garder l’empreinte des espaces où les corps eurent un rôle actif : escaliers, paliers, fenêtres, portes ; il s’est également penché sur des éléments architecturaux. La particularité de ses œuvres tient à l’écart qu’elles creusent avec leur modèle, mais aussi à leur monumentalité une fois déployées. Des dessins accompagnent ce travail. Suzanne Hetzel, de son côté, a fait poser des habitants de Carros-Village dans cet énigmatique décor.
Le fruit de leurs réflexions donne lieu à une exposition commune qui marque la réouverture du Centre International d’Art Contemporain* de Carros.
Jusqu’au 31 décembre 2010
HJG
Château de Carros
06510 Carros (village)

quelques textes encore...

2011-04-25T16:26:00.006+02:00

L’œuvre passe-muraille de Cécile Bart
Si le titre « L’hypothèse du fond perdu » fait référence au code graphique ou au hors champ du cinéma, Cécile Bart, elle, intervient au Château au Mouans-Sartoux pour « le prendre en écharpe en son entier, le basculer, le traverser et inviter le regard à franchir les limites, aussi bien latéralement qu’en profondeur. » Si j’emprunte les termes de Fabienne Fulchéri, directrice de l’Espace de l’Art Concret, pour définir le bouleversement total que l’artiste fait subir aux espaces investis, c’est que je n’en vois pas de meilleurs. Avec les procédés familiers à son travail : écrans de tergal chargés d’une peinture monochrome qu’elle débarrasse ensuite de leur trop-plein de matière, accrochés droit ou de guingois sur des murs, eux-mêmes peints dans un désordre similaire, de carrés, de rectangles d’une seule couleur mais chaque fois différente … Cécile Bart nous amène à reconstruire par l’imagination notre propre chemin, tels des visiteurs plongés dans un labyrinthe dont chacun trouve une issue par ses propres moyens. S’ajoute au jeu d’ouvertures et de fermetures engendrées par les rencontres des couleurs, celui de la lumière (que l’artiste a voulue uniquement naturelle) qui nous révèle la transparence des écrans où se combinent parfois deux couleurs pour en créer une troisième, complémentaire…Nous cheminons de l’un à l’autre et comme au sommet d’un phare, nous découvrons, par ce jeu de transparence et d’encadrement, un paysage chaque fois différent qu’embellit ce focus de l’écran peint.
HJG
Espace de l’Art Concret
06370 Mouans-Sartoux

Paru dans COTE, décembre 2010, n° 190

Quelques textes écrits pour COTE

2011-04-25T15:58:00.002+02:00

August Sander, autopsie de la République de Weimar

Le Théâtre de la Photographie et de l’Image explore, grâce au précieux prêt de Gerd Sander, le petit-fils d’August Sander*, l’Allemagne de la République de Weimar, en cent vingt photographies ; des paysages, des architectures et des portraits d’archétypes du peuple et de la bourgeoisie allemands. Cette préférence accordée à des types anonymes plutôt qu’aux personnalités célèbres est une des particularités de la photographie germanique des années vingt ; on pense à Erich Retzlaff, Erna Lendvai-Dirksen…, un choix encore perceptible de nos jours chez photographes comme Thomas Ruff, Thomas Struth ou exploré par le cinéaste Michael Aneke dans « Le Ruban Blanc ».
L’exposition de Nice, conçue par Gerd Sander et la galerie Priska Pasquer, présente des portraits frontaux, posés, élaborés, aux titres inconcevables aujourd’hui : Débile mental, Communiste, Persécutée… ; une mosaïque complète des classes socioprofessionnelles de l’Allemagne de l’entre-deux-guerres.
Comment considérer à l’heure actuelle cette œuvre qui a inspiré bon nombre d’artistes contemporains ? Comme Sander lui-même le faisait en 1931: « La nature de la photographie dans son ensemble est documentaire », ou au-delà, comme un constat tragique et muet d’un monde sur le point de s’effondrer.
Rappelons que le Théâtre de la Photographie et de l’Image réalise des expositions d’ensembles de pièces rares, en tirages d'époque, de grands noms de la photographie grâce aux prêts de grandes institutions ou de collectionneurs privés.
Ce fut le cas pour Le photogramme avec les Man Ray, Rodtchenko, Moholy-Nagy…
Hélène Jourdan-Gassin
Jusqu’au 15 mai 2011
Théâtre de la Photographie et de l’Image
27, boulevard Dubouchage, Nice.

*Des œuvres d’August Sander participaient à : Carte Blanche à la Kicken Berlin, un riche panorama de la photographie allemande de l’entre-deux-guerres à la fin des années 50, Septembre de la Photo 2004.

Adresses (suite)

2011-04-14T18:46:00.001+02:00

Le grain de sel Dans le milieu des années 90, que vous habitiez Atlanta ou que vous vous y rendiez pour visiter son usine Coca-Cola, écouter son orchestre philarmonique, vous initier au Crunk (variante du hip-hop sudiste), vos soirées branchées vous les passiez chez Pastis ou Anis, les restaurants des deux petits Français, Jean-Fré et Mathieu ! Mais l’Amérique pour Jean-Frédéric Perfettini, c’était sans compter avec le mal du pays, un besoin de Méditerranée, le désir de renouer avec ses racines corses et niçoises. Aussi, en mai 2010 il a racheté « Le grain de sel » pour en faire un petit bistrot gourmand qui propose des plats à base de produits régionaux : frites de panisse, sardines à l’escabèche, lentilles saucisses et des recettes plus exotiques, tajines d’agneau, tartares de thon, curry de poulet… Jean-Frédéric reçoit et cuisine pour vous dans un cadre gris et blanc, simple et élégant. Le coin lounge offre un endroit parfait pour petites fêtes entre amis. Ouvert de 8 heures à 20 heures du lundi au vendredi. Vendredi et samedi, dîners sur réservation. 4, rue Pierre-Devoluy, Nice Téléphone : 04 93 85 57 87

Quelques bonnes petites adresses à Nice

2011-04-14T18:41:00.002+02:00

Une « Cabane » au Vieux-Nice Cabane, ce mot emprunté au provençal cabana « chaumière » qui désigne aujourd’hui un refuge lié à l’enfance, où l’on cache ses trésors, convient parfaitement à cette nouvelle boutique qu’ont crée Brigitte et Heather. Située à l’entrée du « Vieux » comme disent les « jeunes » cet endroit mélange avec bonheur, objets, vêtements, petit mobilier d’appoint, senteurs, gadgets… La sélection des créateurs est internationale, Italiens, Anglais, Belges…Pour les plus branchés, un petit « Merci » à la niçoise qui offre pêle-mêle, des merveilleuses couvertures danoises, pure laine, des chaussures américaines Toms, des objets créés par Droog, un collectif néerlandais de designers… Lampes torches en bois, coussins en lin brut illustrés de tableaux anciens, vaisselle d’Astier de Villatte, se mélangent à une collection de vêtements aux matières nobles, sobres et élégants.

Cabane

15, rue de la Préfecture/ Nice

Téléphone : 04 93 79 29 88

Paru dans le guide de COTE

Safia Al Rashid

2011-04-11T00:34:00.005+02:00

Grande, une démarche féline, une incroyable toison blonde, des yeux pétillants, un sourire désarmant, Safia Al Rashid est belle, tous ceux qui l’approchent le disent. Mais limiter Safia à sa seule beauté physique serait ne pas chercher à analyser la nature de son rayonnement, dû à des qualités de cœur auxquelles on est tout de suite sensible.

Une enfance belge. Safia naît à Bruges d’une mère flamande et d’un père algérien. Abdelkader El Malqui arrive très jeune en Belgique, apprend le néerlandais, rencontre par une amie de son frère une jeune étudiante, qu’il épouse. Les El Malqui vont avoir trois enfants, Safia, puis deux garçons de cinq et dix ans plus jeunes qu’elle. Elle grandit à Waregem, dans les Flandres, fait des études de commerce et non d’art mais, dit-elle : «je pense que l’intérêt pour l’art n’est pas forcément une question d’études ; pour moi, il est venu d’une attirance pour des objets et pour les artistes qui les créent, ce qui m’a amenée très jeune à acheter des œuvres. » Ron Arad, plasticien/ designer/ architecte, fut sa première découverte. En souvenir, elle lui consacrera une exposition l’été 2010, dans sa toute jeune galerie monégasque.

Elle crée Sem-Art Gallery à Monaco. A 21 ans, Safia rencontre l’homme d’affaires et milliardaire saoudien Nasser Al Rashid qu’elle épouse et avec qui elle a deux enfants. Le Docteur Al Rashid, diplômé en civil engineering (ingénieur en génie civil) et sa famille s’installent à Monaco, où ils vivent depuis seize ans et où les enfants sont scolarisés. Mais Safia Al Rashid, mère aimante et attentive, n’a cependant pas l’âme d’une oisive et collectionner ne lui suffit plus, elle veut communiquer sa passion de l’art aux autres. En quête pendant trois années d’un lieu pour la galerie qu’elle souhaite ouvrir, Safia découvre les trois cent cinquante mètres carrés de l’ancien restaurant Maxim’s au cœur du Carré d’or de Monte-Carlo. Les espaces sur deux niveaux sont alors aménagés pour présenter de l’art contemporain et, cerise sur le gâteau, un petit restaurant avec sa terrasse permettra aux amateurs d’allier le goût pour l’art à la gastronomie. Sem-Art Gallery ouvre avec Belgian Art à la fin juin 2010, le jour des fiançailles du Prince Albert qui est son premier visiteur. Pour Safia Al Rashid, qui a un ambitieux programme d’expositions, cette thématique s’impose puisqu’elle lui permet de présenter l’art de son pays, notamment des œuvres de Win Delvoye. Elle organisera ensuite, une personnelle de Ron Arad, puis French Art en septembre et Greek Art en janvier 2011.

Une place de choix dans le monde contemporain. En six mois Safia a su s’implanter dans le milieu de l’art par la qualité de ses expositions, ses relations avec les galeries internationales où elle a acheté des œuvres, un fichier de collectionneurs notamment de collectionneurs belges, mais sa fierté est aussi d’avoir initié à l’art des visiteurs qui n’en avaient encore jamais acheté. Elle est membre de Point Art Monaco, une association qui réunit les galeries Toninelli, Grippaldi, Maison d’Art et la sienne, pour participer ensemble à des foires d’art contemporain, comme en décembre 2010, la BRAFA (Brussels Antiques and Fine Art). A côté de ses activités de marchande, Safia Al Rashid reste une fervente collectionneuse ; elle s’investit aussi dans l’aide à l’organisation de grandes expositions internationales comme celle Damien Hirst au Musée Océanographique. Elle vient d’ailleurs d’être récemment nommée Présidente des Amis du Musée Océanographique, et souhaite susciter l’engagement de nombreux membres, attirés par les nouvelles orientations du musée.

La Sem-Art Gallery a une riche programmation pour 2011 : A partir du 18 mars et jusqu’à fin avril, ce sera Russian Art, avec d’importantes pièces qui couvriront, peut-être, plus que les cinquante dernières années ; puis les photographies de Julian Lennon en juin ; une exposition d’Ettore Sottsass en juillet ; René Magritte et James Ensor en août/septembre ; une exposition personnelle de Win Delvoye en octobre et Emerging Artists Show, en novembre/décembre.

Pour quitter l’art pour l’actualité. J’ai demandé à Safia comment elle et le Docteur Al Rashid percevaient les bouleversements qui agitent les pays arabes et, qualité marquante de sa personnalité, sa réponse fut directe et franche : « je pense que c’est une chose qui devait se passer, car il y a trop de différence entre et les pauvres et les riches, les gens sont éduqués mais ils ne trouvent pas de travail. Souhaitons en tous cas, que ça se fasse avec le moins de violence possible. »

Propos recueillis par Hélène Jourdan-Gassin en février 2011

Voir une partie de l'entretien dans COTE, avril 2011, n°192

Pas encore l'Argentine...

2011-04-10T23:06:00.005+02:00

Il se glisse toujours quelque chose qui m'empêche de raconter mon voyage en Argentine (qui finira, si ça continue par devenir un trop vieux souvenir), une conférence de Michel Onfray au Noga Hilton, à Cannes devant une salle comble ; l'ouverture à Nice, de l'Espace à Vendre, l'Espace à débattre de Bertrand Barodou et Ben, avec la foule des grands soirs ; un Ben, rappeur, crooner contry, slameur et j'en passe... accompagné de sa grande et belle guitariste blonde qui performait déjà au vernissage de Ben à l'hôtel Windsor...

Comme je ne vous raconterai pas combien j'ai embrassé d'amis, d'artistes,de politiques...ni que pour fuir cette foule, je me suis réfugiée chez un ami qui m'a offert un délicieux dîner en compagnie de deux charmants éphèbes... je me contenterai de glisser ici mon article de COTE comme résumé de cette ouverture qui a a fait le buzz (je déteste ce mot) sur la Côte !

"Réunis dans un même lieu, Bertrand Baraudou, un jeune loup de l’art de montrer, Ben, un vieux lion de l’art des mots, voilà un mélange qui risque d'être détonant ! C’est dans ce quartier de la Libération, qu’on dit plein de promesses, que cette alliance se concrétise pour le bonheur d’un public très contemporain et plus largement, de tous ceux qui ont la nostalgie de la boutique de Ben, rue Tonduti-de-l’Escarène, et plus tard, du « Centre du Monde ». Que sera cet endroit ? Un lieu pas comme un autre en tout cas, si l’on en croit les deux protagonistes. Pour Bertrand Baraudou dont la galerie, Espace A VENDRE, est fermée depuis le dernier printemps mais qui poursuit, à Paris, ses activités dans le Marais avec sa galerie Le Cabinet, c’est une volonté de continuer à soutenir la scène artistique émergente, locale, nationale et internationale. Pour la réouverture d’Espace A Vendre dans ce nouveau lieu, Baraudou présente, sous le titre d’Opening, une collective et festive (sic) qui réunit la plupart des artistes de la galerie. Pour Ben, c’est l’occasion d’exprimer une multitude d’interrogations et de désirs dont nous ne donnerons ici que quelques bribes, laissées dans leur jus… Espace à débattre : «J’aimerais que ce soit un lieu d’art ouvert au doute et à l’humour, à la création – où l’on se pose toutes les questions – Pourquoi l’art ? A quoi sert l’art ? Pour qui l’art ? Qu’est-ce que l’art ? Espace à vendre : Il y aura des livres : le Lettrisme, la poésie beatnik, Dada, le Futurisme, art d’aujourd’hui, création à Nice, biographies d’artistes, revues d’art ; mais aussi des livres en Nissart, en Occitan ; des livres de philosophie, d’érotisme, d’histoire de l’art, de science-fiction… et bien sûr : des œuvres contemporaines d’art brut, mes coups de cœur, des disques vinyle… le tout à des prix imbattables. Et pour communiquer : Un journal mensuel papier, un site et une newsletter sur le net, une boîte aux lettres pour vos démangeaisons. Et à donner : un grand bac, prenez, mettez, gratuit. Et à rencontrer : des artistes de passage, des critiques d’art, des belles femmes, des amis. Et comme activités : une maison d’édition, un bureau d’organisation d’expos, des débats ponctuels. Et comme expos : dans la mezzanine, une ou deux par mois toujours accompagnées d’un « pour et contre ». Et à regarder : un coin films expérimentaux, films Fluxus, performances. Et encore : vente de vérités et mensonges, magie le mardi, interprétation des rêves, rencontres amoureuses aléatoires. Et pour recevoir : 4 fauteuils, un frigidaire, un paperboard, un lit avec une couette pour se reposer, un appareil à café pour inviter George Clooney. Et à acheter : achat d’idée à partir de 5 euros. Et encore (…), Et encore(…). Et pour conclure : je ne vous le cache pas, cela va être difficile, où vais-je mettre tout ça ? "

HJG

Opening Le 9 avril 2011 2, rue Vernier 06000, Nice

COTE, avril 2011, n° 192

Mon combat anti-Front

2011-03-25T11:38:00.008+01:00

J’avais annoncé à un ami que je donnerai sur facebook, mon avis sur le premier tour des cantonales dans les Alpes-Maritimes et sur l’étrangeté des consignes de vote dans ce département pour le second tour. Finalement, au regard des prises de positions des hauts responsables de notre pays, l’étrangeté est partout ! On se demande, à lire hier La question du jour de Nice-Matin : « les consignes de vote des partis influencent-elles votre choix » (la réponse étant, Non à 96% et Oui à 4%) si ce n’est pas plus efficace pour les politiques de ne donner aucune consigne puisqu’elles sont si peu suivies et que, dans le pire des cas, elles produisent l’effet contraire ! Bon, puisque donner son avis est, avec celle de voter, à peu près les seules libertés qui nous restent (mais ô combien grandes !), moi je vous dirais : « Comment pouvez-vous voter Fn ? » Et, en accord avec Alain Juppé et François Fillon je conseillerai de « ne jamais transiger avec le Front national ». Et je reprendrai pour moi les mots de Villepin sur RTL « Quand il y a menace d’une victoire du Front national, il faut choisir le candidat le mieux placé, qu’il soit de l’UMP ou du parti socialiste. » Clair comme de l’eau de roche, non ? C’est ce que les Français ont fait en votant Chirac à 82% en 2002 ! Ma lutte contre le FN elle ne date pas d’hier. Je l’ai menée ouvertement en 1995 lors des élections municipales à Nice, en militant avec l’association ADN contre l’élection de l’ancien Fn, Jacques Peyrat (heureuse de voir aujourd’hui que ce dernier, bien que revenu mollement à ses premières amours, n’a pas accès au 2ème tour des cantonales et devrait donc faire une croix sur ses prétentions à la Mairie de Nice) et je la mènerai encore, sans aucune tactique, jusqu’au bout. Pourquoi ? D’abord parce que je pense que, contrairement à ce que véhiculent certains médias, Marine le Pen est plus dangereuse que son père. Sous des abords modernes elle est tout aussi réactionnaire, raciste que lui , avec une langue certes plus contrôlée, moins vieille culotte-de-peau mais tout aussi féroce, comme le disent son sourire carnassier et son regard glacial… Et aussi parce que dans les 187 pages du programme Fn (trouvé sur internet), lues péniblement, je n’ai trouvé aucune juste raison de comprendre pourquoi (hors les fanatiques et il y en a plus qu’on veut bien le dire…) des hommes et des femmes sensés puissent croire à ce mauvais conte de fées ! Chaque thème donne lieu à un constat et met en avant des propositions sur : la Famille, l’Immigration, l’Environnement, la Souveraineté, la Sécurité, la Défense, l’Europe, la Prospérité, l’Economie, la Fiscalité, l’Agriculture (très long passage sur la ruralité), l’Emploi, la Santé, la Liberté, la Culture. Ce programme assène bien plus de constats simplistes ou mensongers qu’il ne propose de solutions acceptables et celles-ci sont souvent radicales : rétablissement de la peine de mort, des frontières, abrogation de l’avortement, du Pacs etc. Une chose est certaine en tout cas, le programme du Front national est fâché avec les chiffres. Pas un ne passe le bout de l’oreille tout au long de ce long discours ! Alors, allez voter dimanche et faites barrage au Front national, que le candidat soit de droite ou de gauche. Dans notre département, je dis bonne chance à Dominique Estrosi-Sassone, à Patrick Mottard, à Olivier Bettati, à Jacques Victor (parce que je les connais et connais leurs qualités)… Et aux autres, quelque soit leur étiquette, pourvu qu’elle soit anti-Front !

Miami, encore...

2011-03-13T16:20:00.005+01:00

Juste quelques mots pour vous dire qu’après la visite de Miami Basel nous n’eûmes pas le temps d’en voir plus, c’est-à-dire les nombreuses foires qui gravitent autour de la « Grande » et où l’on peut faire des découvertes intéressantes.
Christian Estrosi, le Maire de Nice, ville avec laquelle Miami est jumelée, avait, durant ces trois jours en Floride, un planning dément que notre petite délégation se devait de suivre, en partie.
-Petit déjeuner et visite de la collection Rubell (incontournable).

-visite du Miami Art Museum, de ses collections et des plans de sa future plus large implantation dans la ville.
-Visite à Chambre de Commerce de Miami et rencontre de son Président Barry Johnson, suivi d’un déjeuner peu gastronomique…
-Rendez-vous très sympathique avec Monsieur Tomas Regalado, Maire de Miami et discussion chaleureuse entre les deux élus. Un projet de ligne aérienne directe entre Nice et Miami est évoqué, avec l’engagement de chacun à plaider cette cause auprès d’Air France… Une idée superbe pour les Azuréens et les Italiens de la côte méditerranéenne, plutôt que de poiroter des heures à Roissy…

-Délicieux cocktail/déjeuner donné par Gaël de Maisonneuve, notre consul à Miami, pour présenter au maire les « expatriés » français qui sont très nombreux à Miami et forts sympathique si on s’en tient à ce panel…
Retour en France via Roissy et un avion bondé pour ensuite attendre longuement un avion pour Nice… c’est ça, vivre au bout de la France !

La lente remontée du temps, en commençant par Miami /Basel.

2011-03-07T17:23:00.007+01:00

Comme disait Sénèque : « Rien Lucilius, ne nous appartient, seul le temps est à nous ». Eh bien, moi il me file entre les doigts, les heures et les jours passent sans que j’aie le temps de me retourner.
Nous sommes en mars 2011, et ce dont je voulais parler date déjà de l’année dernière.
Mais quand même, un mot de mon voyage à Miami pour la foire Art Miami Art/Basel/Miami Beach.

L’idée du Maire de Nice était, entre autres missions toutes importantes, de se faire une idée sur cette foire légendaire et de recueillir mon avis sur la possibilité de repenser ,12 ans après sa disparition, la possibilité de réorganiser l’équivalent d’Art Jonction que j’avais créé à Nice en 1986 et qui mourut en 2001 ! Certaine que c’était la seule possibilité de réussir une telle initiative, j’avais, par courrier, pris contact avec les organisateurs de Bâle pour un parrainage qu’ils avaient, hélas, courtoisement décliné.
Cela ne nous empêcha pas de profiter du vernissage de Miami Beach qui fut brillant comme à son habitude (j’y vais chaque année depuis 2003) avec quelques-unes des meilleures galeries du monde, ce qui permit au Maire de Nice de mesurer la distance quasi infranchissable qui séparerait une tentative niçoise d’une manifestation d’une telle ampleur.
La visite n’en fut pas moins passionnante pour autant bien qu’à mon avis, la qualité n’égalait pas celle de l’année passée. Moins d’artistes chinois, ça, ce n’est pas un mal, peu d’indiens bien qu’on nous dise que ce devrait être le pays émergent… beaucoup de créateurs, de galeristes européens et une majorité d’Américains du Nord, bien sûr, artistes et galeries…
Mary Boone, New York, avec Barbara Kruger ; Cheim & Read, New York ,avec Hans Hartung,un artiste qu’on avait oublié sur les foires internationales (ses collectionneurs peuvent se réjouir, la cote va remonter) ; Gagosian , New York, avec Dan Colen ; Gladstone, New York, avec Marisa Merz (voilà l’Italie qui se pointe) ; Lehmann Maupin, New York, avec Tony Oursler (dont tant d’artistes s’inspirent maladroitement) ; Allan Stone, New York, avec des Chamberlain sans couleur ; Marian Goodman, New York et Gemini, Los Angeles, avec John Baldessari (lui aussi omniprésent depuis quelques années) ; sans oublier la jeune José Bienvenu (dont j’ai vu naître la galerie dans un de ces buildings à galeries de Chelsea) , New York, avec Dario Escobar ; et tant d’autres encore.
Mais alors, où est l’Europe dans tout ça ? Présente déjà par les artistes : Hartung et Marisa Merz, Michelangelo Pistoletto, qu’on retrouve dans les galeries Mezzanin, Zurich ; Continua, San Gimignano, Hufkens, Bruxelles ; Christian Stein et Lia Rumma, Milan comme à New York chez Luthring Augustine.
Présence de galeries européenne de très bonne qualité avec Karsten Greve, St-Moritz, Paris, Cologne avec « Heart » une œuvre de Louise Bourgeois (n’oublions pas qu’elle était française avant que les Américains ne se l’approprient) ; Victoria Miro, Londres, avec Isaac Julien ; Emmanuel Perrotin, Paris, avec Piotr Uklanski ; Thaddeus Ropac, Paris, avec Richard Deacon ; Kamel Mennour, Paris, avec Lili Reynaud-Dewar ; Lelong Paris avec Nancy Spero, Jaume Plensa… On ne peut tous les citer.
Je voudrais garder pour la fin, la présence captivante des latinos -américains, qui sont là avec onze galeries pour le Brésil, quatre pour le Mexique, deux pour la Colombie, deux pour l’Argentine dont la galerie Ruth Benzacar de Buenos- Aires qui fait depuis quarante ans le travail courageux de ne montrer pratiquement que des artistes argentins. Je vous parlerai dans mon prochain bulletin de l’un deux, Marcos Lopez, qui a en ce moment une exposition à la galerie Mor-Charpentier, 8 rue Saint-Claude, Paris 3ème.

Un retard abyssal

2011-02-10T18:54:00.007+01:00

Je suis face à un retard abyssal, dur à rattraper car le temps me manque et des activités se bousculent : articles, travaux d’aménagement d’appartement, rencontres, films, restaurants, voyages, oui… merveilleux voyages !
Alors par où commencer ? Je vais essayer de me mettre à jour en relatant brièvement la foire de Basel Miami Beach de décembre et ensuite mon voyage en Argentine…

Après on verra… une bonne exposition au MAMAC, un petit film assez touchant, Angèle et Tony, un déjeuner au soleil à Nice, à l'Hôtel Beau Rivage qui ouvre en permanence son restaurant sur les galets… tout ça avant le printemps…
Alors à Bientôt

stock de cirage noir à vendre !

2011-02-03T18:15:00.003+01:00

Phénomène curieux qui atteint toutes les catégories socioprofessionnelles, beaucoup d’hommes, passés la cinquantaine, se font teindre les cheveux en noir. C’est le cas de Gérard Miller, François Hollande etc. et c’est affreux !
Messieurs ne croyez plus vos coiffeurs qui vous disent que ça vous rajeunit, au contraire, vous faîtes plus vieux, on voit vos pattes d’oie, votre couperose et parfois même, vos taches séniles.
Le cheveu d’homme étant souvent peu fourni, il prend mal la teinture et se colore en un noir éteint, sans reflet, en un mot, en un noir mort!
Alors écoutez-nous, nous femmes, plutôt que vos coiffeurs car nous pratiquons l’art de faire avec notre âge depuis bien plus longtemps qu’eux et que vous.
Gardez vos beaux cheveux poivre et sel ou blancs, rasez-les s’ils sont pauvres, mais dites au revoir à la boite de cirage !
Parce que vous le valez bien !

Un message que je ne peux laisser sans réponse

2010-12-05T01:11:00.003+01:00

J'allais vous parler de mon voyage éclair à Miami pour suivre, pour la 5ème année consécutive, la foire Art/Basel/Miami mais il y a parfois des urgences qui rendent secondaires, même les choses qui vous tiennent le plus à coeur...

C'est le cas ce soir où, en ouvrant mes emails, je trouve une message de Fred Bernard, un ami et un génie de l'informatique qui a su chouchouter mon ordinateur pour lui rendre la vie longue et belle. Fred se bat depuis un an, au point d'en perdre la santé, pour que la mort de sa mère soit reconnue comme homicide involontaire et peut-être pouvons-nous l'aider...

Voilà ce qu'il m'envoie : Il s'agit de Maman, José-Anne BERNARD, cela va faire un an qu'elle est partie après avoir tout tenté pour faire fermer ce pressing. Elle y a laissé sa santé et la vie, une enquête est en cours pour homicide involontaire. Aujourd'hui j'ai décidé d'en parler car beaucoup de gens sont concernés, le pressing de proximité est concrètement dangereux même s'il n'en a pas l'air, surtout pour les voisins qui vivent au dessus de celui-ci.
Merci de m'avoir lu et d'avoir lu cet article, même si cet évènement a été très douloureux, aujourd'hui je suis très bien entouré, j'ai à mes cotés des amis, ainsi qu'une femme fantastique et deux enfants merveilleux. Nous sommes forts, même si dans cette histoire nous sommes le pot de terre, ce petit pot de terre ne lâchera jamais prise. Bientôt les responsables devront assumer leurs décisions et leurs conséquences. Elles sont sont nombreuses. Pour nettoyer nos vêtements, la plupart des pressings utilisent un solvant dangereux pour l'homme, le perchloroéthylène, sujet que Rue89 avait mis en lumière en 2007. Un poison qui touche les logements avoisinants, au détriment de la santé de leurs occupants impuissants. Le Haut conseil de la santé publique tire la sonnette d'alarme et recommande de ne plus installer de nouveaux pressings à proximité d'habitations.
"José-Anne Bernard, 72 ans, est morte le 25 décembre 2009 à Nice. A priori d'une attaque cardiaque. Mais l'autopsie pratiquée sur son corps il y a quelques semaines a révélé un taux très élevé de perchloroéthylène (ou tétrachloroéthylène) dans son sang, ses urines et tous ses organes.
Ce solvant, couramment utilisé pour le nettoyage à sec, est non seulement dangereux pour l'environnement mais également toxique pour l'homme. Il provoque nausées et vertiges, irrite les voies respiratoires, attaque le système nerveux et les reins et peut, dans certains cas, s'avérer mortel.
Le Centre international de recherche sur le cancer (Circ) le classe comme cancérigène probable, « groupe 2A ». Madame Bernard ne travaillait pas dans un pressing. Elle vivait juste au-dessus.
Depuis l'installation du commerce il y a deux ans, son appartement était envahi d'odeurs persistantes. « Quand je suis retournée chez elle pour récupérer des photos pour la cérémonie funéraire, je n'ai pas pu rester tellement ça sentait fort », explique son fils, Frédéric, qui a porté plainte pour empoisonnement. Le parquet d'Aix-en-Provence a ouvert une information judiciaire pour homicide involontaire le 20 août 2010".

Cédric Teisseire, un artiste touné vers les autres

2010-11-13T20:12:00.004+01:00

Naissance à l’abstraction
Je suis né à Grasse en 1968. Mes parents travaillaient dans les parfums. Ouverts et cultivés, ils s’intéressaient à la musique comme à l’art. Ils ont déclenché mon premier choc artistique en m’emmenant visiter la Fondation Maeght quand j’avais sept ou huit ans et j’ai tout de suite senti que les œuvres de Picasso, Miro, Giacometti… étaient en train d’ouvrir mon espace, de m’enseigner un rapport à cette histoire de l’abstraction qui désormais allait mener ma vie. Mais l’art c’était aussi toutes les formes de musique, le jazz à Juan-les-Pins, les concerts de rock, de pop, la musique sérielle, que je mélangeais dans une sorte de bouillon culturel formatif… Dire que j’ai voulu être un artiste dès mon plus jeune âge serait exagéré, les choses se sont construites petit à petit. Au lycée j’ai pu prendre une option art plastiques. Évidemment, on m’a parlé de la Villa Arson qui m’est tout de suite apparue comme un lieu formidable, mais tellement traumatisant à mes débuts… Les excès des autres étudiants, leurs personnalités fortes, torturées pour certains, me fascinaient et m’intimidaient. Tout ça a disparu à l’obtention du diplôme! J’ai sollicité Christian Bernard, le directeur de la Villa, afin qu’il m’attribue un atelier pour travailler à des installations d’expositions avec Axel H. Huber. Une part de moi-même s’est construite là.
Combler un manque
En complément, je m’occupais du montage et de l’organisation d’événements au Palais des Festivals à Cannes ; j’ai ensuite été engagé par une boîte de production de pub, Hanne Evans Productions Services, ce qui m’a permis par ailleurs de me consacrer bénévolement à cette entité nommée La Station, que nous avons créée à plusieurs artistes pour répondre à une situation de grand fléchissement du paysage artistique dans les années 1995. Des galeries, une foire d’art contemporain partaient… Devions-nous partir ou construire notre propre outil de travail ? La Station est née au boulevard Gambetta, dans une ancienne station-service dont l’activité, fruit d’une énergie collective, a duré trois années, a ramené à l’art un public, pour ensuite continuer à se développer dans d’autres lieux de Nice.
Même si mes racines sont ici, je me suis toujours senti très mobile. J’ai rencontré ma compagne à Toulouse, lors d’une exposition qu’organisait Ben. Elle aussi faisait partie d’un collectif et il y a eu entre nous une fusion forte. Mes voyages se font surtout au gré de mes expositions, Cap Nord, Finlande, Croatie, New York… Depuis que la galerie Évelyne Canus m’a exposé à la foire de Bâle en 1996, je suis représenté depuis douze ans en Allemagne par Ulrich Müller, en Autriche par C.Art et aujourd’hui à Paris, dans le VIIIe, rue Delcassé par la galerie RX qui va ouvrir aussi un immense show-room à Vitry. En revanche, malgré un tissu culturel riche, il n’est pas toujours facile d’y exister en tant qu’artiste. Malgré le geste fort du Maire de donner à La Station une partie des Abattoirs, notre structure reste en état de fragilité, c’est peut-être ce qui nous tient en éveil…
Glissement des pratiques
Pour revenir à mon travail, il me faut préciser ce que j’entends par être peintre.
Avant de désigner un objet que l’on confond bien souvent avec le tableau, la peinture est une matière. Il est donc probable que l’objet produit par cette matière dépende d’elle, de ses qualités, de sa physique. Ma pratique est absolument picturale mais en même temps d’un autre ordre. Les coulures constituent en tant que telles une sorte d’entre-deux monde purement fictif (celui-là même de la fiction qui nous hante) en ce qu’elles ne relèvent ni de la peinture au sens habituel, ni de la réalité au sens de ce qui serait hors du tableau.Ma peinture considérée comme une peau fiction, le tableau devient à la fois l’écran sur lequel échoue le regard et le sujet même de toute monstration. Parfois un miroir et son juste reflet.
Peindre et enseigner
Je vis de mon travail d’artiste depuis plusieurs années, mais j’ai aussi depuis 2009 accepté un poste de professeur aux Beaux-arts de Toulon. Cette activité me passionne car j’établis avec chaque étudiant un suivi personnel et ces échanges, ainsi que ceux avec mes collègues, me permettent une introspection sur mon propre travail, une expérience que je peux ensuite retransmettre aux étudiants.
En conclusion, mon ambition est de garder un éveil toujours vif sur l’évolution du monde, et d’acquérir une plus grande sagesse. Cependant la transformation de l’art me préoccupe, il me semble que la tendance s’intéresse un peu trop aux artistes business, à l’institutionnel, à l’événementiel, au sponsoring au détriment de la création artistique.
Quelques dates :
1993 Obtention du DNSEP à la Villa Arson
1995 Toute chose étant égale par ailleurs, galerie Evelyne Canus, La Colle-sur-Loup, F
1996 Ouverture de La Station, Nice
Statements, foire de Bâle 27’96, galerie E. Canus, Bâle, CH
2001 Jolie attaque pour perdre, La Station invitée par BEN, Espace des Arts, Colomiers, F rencontre avec Claude V
2003 C/O, ALaPlage, Toulouse, F
2002 Chroma, Espace de l’Art Concret, Mouans-Sartoux, F
2005 Naissance de ma fille Daria
2008 Stéphanie Marin / Cédric Teisseire, la Cité radieuse, Marseille, F
2009 Installation de La Station dans les abattoirs de Nice

Propos recueillis par Hélène Jourdan-Gassin pour COTE, N°188, octobre 2010

L'art français

2010-11-13T19:48:00.002+01:00

L’art français à Monaco
La présence de plus en plus importante de l’art contemporain à Monaco, dans les lieux institutionnels comme dans les galeries, donne la Principauté une position forte où qualité et réussite commerciale vont de pair.
Sem-Art Gallery qui, après l’«Art belge » présente l’« Art français » ne fait pas mentir cet adage puisque participent à cette exposition quelques-unes des valeurs sûres de notre pays : Jean Dubuffet, Raymond Hains, Yves Klein, Jean-Pierre Raynaud, Bernar Venet, Jacques Villeglé et de plus jeunes artistes mais de très bonne qualité : Clément Borderie, Cat Loray, Philippe Pasqua ainsi que June, une toute nouvelle découverte de Safia Al Rashid, propriétaire des lieux et commissaire de l’exposition.
Cette belle jeune femme, collectionneuse depuis près de vingt ans, a voulu faire partager sa passion pour l’art en ouvrant, au cœur du carré d’or de Monte-Carlo, un lieu clair et élégant doublé d’un restaurant en terrasse, une façon d’allier l’émotion artistique au plaisir de la table.
Jusqu’au 6 novembre 2010
20, avenue de la Costa
Monaco

Paru dans COTE, n° 189, novembre 2010

les Wrappings de Laurence Jenkell

2010-11-01T15:23:00.004+01:00

Les Wrapping de Laurence Jenkell
« She’s so sweet » est une exclamation qui vient à l’esprit au premier contact avec Laurence JenKell ! Pas seulement parce que l’artiste a fait de la représentation du bonbon le thème unique de sa recherche artistique, une évidence lorsqu’on entre dans son gigantesque atelier investi par des bonbons de toutes tailles, couleurs et matières, mais parce qu’il émane de sa personnalité une certaine douceur qui rappelle à son interlocuteur un plaisir proche de celui qu’on ressent, enfant, à savourer une sucrerie.
On ne doit pas cependant s’arrêter à cette impression, car il a fallu à Laurence Jenkell beaucoup de force et de détermination pour obtenir, de la matière comme de ceux qui l’aident à la travailler, qu’ils se plient à son imaginaire pour faire naître ces incroyables bonbons.
Pourquoi des bonbons ? Laurence Jenkell attribue cette inspiration à une frustration dans son enfance. Pour pallier le manque de douceurs, elle fabriqua des papillotes puis, artiste autodidacte mais sûre de sa voie, elle mélangea sur la toile les sucreries à ses couleurs, les fit fondre dans son four, les inséra dans des boîtes en plexiglas… une cuisine qui aboutit à la création de sculptures au thème unique mais aux déclinaisons infinies.
Dans son atelier/laboratoire de 800 m², dans la zone industrielle de Vallauris, Jenkell emploie une vingtaine de personnes. Elle a équipé son espace d’un grand four pour traiter les plaques d’Altuglas de 3x2 mètres, d’un autre plus petit pour les pièces plus modestes et d’une fonderie pour les bonbons en bronze ou en aluminium. Teinté dans la masse, l’Altuglas, une fois chauffé devient suffisamment malléable pour permettre à l’artiste de lui appliquer cette torsion qui donnera à la matière sa forme de papillote, qu’elle nomme à juste titre Wrapping puisqu’il s’agit davantage d’un emballage, d’un contenant, que de son contenu, le bonbon. Les drapés, les finitions seront ensuite réalisés au chalumeau, ce qui fait de chaque œuvre une pièce unique.
Pour les Wrapping en polyester comme ceux présentés à l’exposition Colors of Monaco organisée par Opera Gallery cet été, Jenkell a fabriqué des moules lui permettant de réaliser des séries de huit pièces plus quatre épreuves d’artiste.
Par l’intermédiaire d’Opera Gallery, Laurence Jenkell est présente à Paris, Genève, Hong-Kong, Dubaï, Monaco. En novembre elle exposera à Séoul et à Paris, en décembre à Londres.
Hélène Jourdan-Gassin

Paru dans COTE, N° 187, sptembre 2010

le temps passe

2010-11-01T14:48:00.005+01:00

Je vois que mon dernier message date du 13 octobre et que je promets d'écrire très vite sur des films, des expos et que sais-je encore. .. Et puis, rien ! Pas le temps !
Un tour à la FIAC, pas mal mais pas un grand cru ! Au Grand Palais, de belles choses, au Louvre du plutôt médicore ; Slick,affligeante sauf 2 ou 3 galeries ; Show Off, une belle architecture du lieu sur la Seine mais une qualité très moyenne ; le long des Champs, (j'ai oubié son nom) organisée par Baudoin-Lebond, une foire de second marché avec beaucoup de fonds de tiroir...
Côté expo : Arman à Beaubourg, on connait, mais très beau commissaritat de Jean-Michel Bouhours qui a donné une ligne à l 'oeuvre, plus cohérente qu'elle n'a été, une lecture intelligente, claire avec des omissions salutaires !
Basquiat, énorme, comme la file d'attente que nous avons évitée ; énorme l'oeuvre d'un artiste si fort, mort si jeune... Un regret dans la selection, ça sent trop le marchand et pas assez le collectionneur privé, certaines pièces cependant sont... écrasantes.. A voir absolument surtout pour les jeunes artistes ... une leçon ! je tâcherai de développer ...
Autre raison de mon retard, COTE Magazine m'a donné beaucoup de travail et tant mieux, j'aime écrire ! Je vais mettre ici, quelques articles déjà parus, mais le numéro de novembre va sortir et je vous engage à l'acheter.
A bientôt...

2010-10-13T17:02:00.006+02:00

Je vais revenir très vite sur mon blog, honteuse de l'avoir abandonné pendant plus d'un mois !
mais tout de suite une bonne nouvelle, " Des Hommes et des Dieux" est premier au box office de la semaine ! Je vous en parlerai, ainsi que d' "Amore"
A bientôt
1 Des Hommes Et Des Dieux
420 808
2 Wall Street - L'argent ne dort jamais
292 351
3 Resident Evil : Afterlife (3D)
225 294
4 Mange, prie, aime
179 978
5 The Town
175 984

Quand l'art est dans les vignes...

2010-08-21T18:04:00.003+02:00

L’art et le vin, voilà deux bonnes raisons de prendre la Nationale 7, cette route mythique qui fleure encore bon les herbes de Provence, pour découvrir la Commanderie de Peyrassol où la Fédération des Vignerons Indépendants du Var présentait à la presse diverses manifestations artistiques et œnologiques que tous peuvent découvrir, de juin à septembre 2010, dans les Domaines et Châteaux des trois appellations du Var : Bandol, Côtes de Provence et Coteaux Varois en Provence.
Trente-trois domaines et quarante-deux artistes vont, le temps d’un été, apprendre à accorder arts plastiques et art du vin.
Dans l’impossibilité d’être exhaustive, je ne citerai que quelques artistes et lieux, laissant aux visiteurs le soin de découvrir, à leur guise, ce parcours où se conjuguent art et nectar !
La Commanderie de Peyrassol à Flassans-sur-Issole, qui possède une collection muséale (les Poirier, les Lalanne, Dubuffet, Tinguely, Tàpies, Plensa , Venet, Arman, César, Ducorroy…) réunie par ses anciens propriétaires, a choisi de présenter une installation de Masami Watanabe, un jeune artiste des Beaux-Arts de Marseille.
Le Château des Crostes, caché entre Lorgues et Vidauban, nous fait découvrir Jérôme Cem Ispanacki. Ce sculpteur, passionné de mécanique, assemble, imbrique des éléments de récupération pour créer d’incroyables machines (voitures, motos) qui conjuguent technique et esthétique.
A la Cadière d’Azur, les Domaines Bunan exposent Judith Bartolani. L’artiste, dont on connaît le travail à quatre mains avec Claude Mayol, renoue, par cette série de dessins qu’elle a nommée « Correspondances », avec la peinture de ses débuts qui sublimait le corps, la chair, le désir. Les Domaine Bunan, qui mêlent dans leurs murs passé et modernité, ont été pour Bartolani une source d’inspiration pour ces dessins extrêmement travaillés, marouflés sur bois précieux. Des portraits qui racontent l’histoire de l’art, les voyages, les rencontres…
Le Domaine des Escavaratiers, à Puget-sur-Argens, a choisi Lisa-Dora-Fardelli pour son travail avec la terre, qu’elle nomme « la matière mère ». Elle a réalisé une installation vidéo composée d’une quinzaine de grosses boules en terre cuite mélangée à de la sciure.
Pour découvrir de nombreux autres lieux et artistes qui participent à cette promenade dans les vignes, La Fédération des Vignerons Indépendants du Var, pour sa douzième édition, a réalisé une plaquette répertoriant les lieux, leurs adresses et les artistes présentés.
Hélène Jourdan-Gassin
De juin à septembre 2010
http://www.art-et-vin.net/

Texte paru dans COTE Magazine n°186, août/septembre 2010

Nu et contemporain

2010-08-14T16:47:00.005+02:00

Etre nu de nos jours, quoi de plus naturel ? Peindre des nus et être contemporain, c’est moins évident. La peinture, le réalisme, sont souvent considérés comme passéistes. Comme il est dit dans le texte (intitulé faux entretien) qui accompagnait l’exposition de Vincent Corpet à Nice, en 2000, à la galerie des Ponchettes : « (…) Le mépris de Marcel Duchamp pour les artistes rétiniens faisait encore, 70 ans après, force de loi. »
Est-ce toujours le cas en 2010 ? Pas d’aussi criante façon, car après des vagues de conceptuels, et post-post conceptuels, l’œil a repris quelque droit, « l’œil voit » ! Que cherche l’artiste qui revendique cette fonction rétinienne ? A réinventer ce qui lui est le plus « naturel », le plus commun : une image de l’homme (portraits, nus) et aussi du paysage.
Depuis la Vénus de Willendorf (23 000 ans av. J.-C.), l’apparition de la nudité est concomitante à l’art lui-même. Féminin ou masculin, fortement sexué ou pudiquement voilé, le nu est, à travers les siècles, une définition esthétique, psychologique, philosophique de l’être humain. Parler de nudité c’est, sans vouloir faire un inventaire, évoquer le David de Michel-Ange, la Naissance de Vénus de Botticelli, l’Olympia de Manet, L’origine du Monde de Courbet, la Baigneuse endormie de Renoir… Ce sont aussi, au XXème siècle, Les Demoiselles d’Avignon de Picasso, Leigh on the Green Sofa de Lucian Freud…, des photographes comme Newton, Mapplethorpe, Koons, etc., qui ont traité la nudité dans ce qu’elle a de plus cru.
J’ai de mon côté cherché à entendre de la bouche de quelques artistes, des peintres uniquement, ce que représentait pour eux le nu.
Vincent Corpet a été mon premier interlocuteur : « Les poses me sont apparues comme étant la meilleure manière de rencontrer autrui. Je ne choisis pas mes modèles. Il y a six ou douze poses de deux heures. La pose est toujours la même, debout, de face, les bras ballants. Je me tiens à moins d’un mètre du modèle, ce qui crée une vision parcellaire que j’accentue en peignant comme une sorte de photocopieuse : mes yeux toujours à la hauteur de la partie du corps à peindre. Le rythme des poses est tributaire du séchage de la peinture. Une moyenne de cinq semaines est nécessaire pour l’élaboration d’un nu. Il m’est apparu que seule une fausse simplicité pouvait explorer la représentation du nu, en peinture, d’une façon nouvelle. J’ai pensé alors que la figuration d’un corps dont je ne serais pas le présentateur n’avait jamais été réalisée. »
Stéphane Pencréac’h, avec cette exclamation : « tant qu’il y aura des femmes, il y aura des nus… », dit aussi : « Le nu n’est pas une tradition picturale, l’art ne s’occupe que de l’homme (le sujet c’est l’homme, disait Bacon) et l’homme est nu dans le monde. Ainsi il y aura toujours la représentation de l’autre sans rien, entier donc. Par ailleurs, l’art est affaire de renouvellement des formes, à ce titre le nu comme tout le reste peut, et même doit, être renouvelé formellement. Il y a probablement plus de représentations nouvelles du nu depuis la modernité et jusqu’à aujourd’hui que depuis 30 000 ans. »
Axel Pahlavi dit avoir d’abord envisagé le nu comme base de la représentation. Un rapport à l’anatomie comme source et comme finalité. Mais ensuite « cette approche technique m’a très vite mis en relation à la part métaphysique du sujet. Mon corps et celui de l’autre m’ont probablement amené vers un début de chemin spirituel. Je pense, à brûle-pourpoint, à ce que je sais du Cantique des Cantiques, où semble se dégager une relation charnelle entre Dieu et les hommes. Il me semble que dans sa maladresse, cet amas de chair et de sang s’érige, par le biais de la peinture, en une représentation possible de l’âme. »
Que nous dit Katia Bourdarel (illustration) ? « Parce qu’on associe facilement nudité avec beauté, j’utilise cette pensée rassurante et superficielle pour opérer des glissements en installant mes nus dans un contexte troublant. Ils parlent d’envie et de provocation, d’exaltation et de culpabilité, de désir et de crainte, ils sont sur une frontière, ils disent l’épaisseur de la chair et de l’âme même, ils parlent du vivant, du risque de se perdre, ils flirtent avec les limites… »
Gilles Miquelis, lui, voit dans le nu une forme de distanciation, de respect. Une sublimation sexuelle, une façon de montrer que l’être humain est unique, singulier, magnifique.
La nudité n’est-elle pas, somme toute, pour le peintre, la recherche ultime de la vérité ? L’artiste est alors comme l’enfant du conte d’Andersen : il ose dire que le roi est nu.
Hélène Jourdan-Gassin t

Texte paru dans COTE Magazine, N° 186,juillet/août 2010

L'âme des mots, volet 4

2010-08-14T15:49:00.004+02:00

L’âme des mots, Jaume Plensa
L’exposition du Musée Picasso rassemble 91 œuvres réalisées entre 1998 et 2009 à l‘occasion de l’installation pérenne de Nomade, la sculpture monumentale sur la terrasse du bastion Saint-Jaume à Antibes. De celle-ci, Plensa dit : «J’ai réussi à faire le corps de la sculpture avec des lettres, et le corps est pénétrable, les gens peuvent y entrer (…). »
A lire absolument L’âme des mots, propos de Jaume Plensa recueillis par Jean-Louis Andral (commissaire de l’exposition) car l’artiste, profondément silencieux dans la vie, livre là des clés de lecture non seulement de son travail, mais de l’acte créateur.
Ce sont maintenant ses mots qui parlent de l’exposition : « J’ai découvert que le dessin m’était fondamentalement nécessaire, parce qu’il donne une possibilité de contact direct avec la matière. Avec la sculpture, entre le moment où l’on conçoit l’idée et la fin de la fabrication d’une pièce, le processus est très long. A contrario, dans le dessin, il y a cette relation quasi directe entre l’idée et la main. » Pour lui, pas de différence de valeur, aussi réalise-t-il parfois des dessins de très grandes dimensions, jusqu’à 2m X 6m !
A savoir ce qui prime de la matière ou de la technique, Plensa a cette réponse limpide : « Je ne revendique jamais la technique, je revendique les idées. Une œuvre est contemporaine par ses idées, pas par sa technique. »
HJG
Jusqu’au 17 octobre 2010
Musée Picasso, Antibes
Texte publié dans COTE Magazine, N° 186, juillet/août 2010

Yvon Lambert à Vence,volet 3

2010-08-14T15:08:00.008+02:00

Si la présentation des œuvres issues de collections publiques ou privées est, avec les expositions monographiques, l’une des lignes directrices de la programmation du Château de Villeneuve-Fondation Emile Hugues, avoir choisi aujourd’hui La Collection Lambert en Avignon donne un caractère tout à fait unique à cette présentation muséale. Cette singularité tient à la personnalité d’Yvon Lambert, qui est à la fois le meilleur marchand français, l’homme à la tête d’une Fondation en Avignon et un enfant du pays à Vence.
Cette appartenance qu’il revendique au point d’être, le jour du vernissage, plus attentif aux vieux Vençois qu’aux institutionnels donne à Yvon Lambert cette faculté de mettre en présence des œuvres majeures avec des choix plus intimistes, plus liés à sa ville, à sa famille. Des regards croisés qu’Eric Mézil, commissaire de l’exposition, a subtilement mis en scène, profitant de la configuration du Château dans lequel l’arrière-grand-père du collectionneur avait son magasin-atelier de vermicellier.
Soulignées par un magnifique catalogue avec Time, clock of the heart (after Ingres) de François Vezzoli en couverture, les œuvres choisies vont du plus minimal, Brice Marden, Sol LeWitt, Niele Toroni, Robert Mangold, On Kowara(voir illustration de gauche) , un ensemble exceptionnel de peintures de Cy Trombly… au plus figuratif avec Combas et Basquiat(voir illustration de droite). La matière est, elle aussi, magnifiquement représentée par la vasque de Kieffer, les portraits de Barceló…
Il faut aussi compter sur la magie du lieu pour sublimer les pièces ; le Boltansky a trouvé sa chapelle ; La Comédie-Française d’Andres Serrano, comme les portraits de Douglas Gordon, leurs escaliers. On découvre la tendresse de Name Goldin dans une vidéo cachée dans un recoin…
Yvon Lambert est chez lui à Vence, dans ses passions comme dans ses portraits de famille, avec les cadeaux que lui ont faits les artistes aussi. Il nous offre un brillant regard sur l’art, mais aussi sur ce bonheur que collectionner apporte !
HJG
Jusqu’au 31 octobre 2010
Château de Villeneuve, Vence.

Texte publié dans COTE Magazine, N° 186, juillet/août 2010

Message pratique

2010-07-22T15:21:00.005+02:00

Petit message pratique pour les visiteurs de mon blog :

Cannes 2 Pièces dans rez-de-jardin de maison particulière à louer à la semaine, nuit, week end ou plus…

Une attention particulière sera réservée à ceux qui viendront de la part d'un de mes contacts.

http://www.homelidays.com/

Aller sur le site ci-dessus cliquez sur « location » descendre avec le curseur et dans Référence d’une offre : Taper 337223

Maeght encore !

2010-07-16T19:24:00.005+02:00

en quarante-cinq ans Le Chat de Giacometti n'a pas pris un gramme !

De l'art, un peu partout sur la Côte, volet 2

2010-07-13T17:51:00.007+02:00

Après le MAMAC (lire le volet 1), l’exposition incontournable de l’été c’est évidemment Alberto Giacometti à la Fondation MAEGHT. Tous mes médias en font écho aussi vais-je vous donner de l’événement un regard, petit côté de la lorgnette, c'est-à-dire à la fois familial et régional…
Je m’explique : familial parce ce que j’y ai régulièrement conduit mes deux garçons, vêtus de petits manteaux gris, très vieille France, qui les font encore rire aujourd’hui, et que nous y avons passé des heures délicieuses et formatrices puisque tous deux ont pour la création artistique, respect et attirance. On était en 1965, la Fondation avait ouvert depuis peu et nous étions devenus des fans, moi de L’Homme qui marche et mes enfants du chien et du chat faméliques de Giacometti.
Aujourd’hui, nous (c'est-à-dire la presse régionale qu’on ne mélange pas avec l’autre, la nationale, que j’aime bien rencontrer pourtant…) avons été conviés deux jours avant le vernissage à admirer ces Giacometti que pour ma part je connaissais si bien. Etrange choix car l’accrochage n’était pas terminé et une exposition, surtout de cette importance, ne se juge qu’une fois la mise en scène finie, le ménage fait … Ce côté « couturière » qui nous était réservé, n’était pas nécessaire pour une œuvre aussi connue, excepté pour les portraits magnifiques (Portait d’Isaku Yanaihara, Fondation Beyeler, Portait de Diego, collection particulière américaine) qui joints à ceux de la famille Maeght nous mettaient devant l’œuvre d’un Giacometti moins illustre, celle d’un très grand peintre !
Le commissariat de l’exposition, assuré par Isabelle Maeght, avait pour ligne primordiale de souligner les liens étroits entre Alberto Giacometti à la famille Maeght. A ce sujet, m’attardant dans une salle devant un délicieux paysage « La maison blanche », 1958, Adrien Maeght qui passait discrètement au milieu de cette visite de presse, me dit, alors que je m’extasiais sur la qualité de ce paysage : « ce tableau, il a toujours été accroché au dessus de mon bureau », une phrase plus significative de l’intimité Maeght/Giacometti que tous les grands discours.
Décidément Giacometti va bien à la Fondation ! Le bâtiment rafraichi et mis aux normes est un écrin de premier choix pour son œuvre. Les Hommes qui marchent ne marchent plus en pleine nature, sur le parvis, mais à l’intérieur d’une salle et l’on remarque leur grandeur, mais dehors comme dedans, ils restent eux-mêmes, des hommes, dans leur dignité et leur solitude.

Cai Guo-Qiang , l'exposition

2010-07-09T18:23:00.005+02:00

L’Empereur de Chine affirma en 1719 que son pays maîtrisait les feux d’artifice depuis plus de 2000 ans… Plus modestement, on peut dire que ce pays pratique ce type d’explosion depuis le VIIIème siècle, ce qui donne à Cai Guo-Qiang, né en 1957 à Quanzhou, dans la province de Fujian, une certaine connaissance ancestrale du sujet !
Pour compléter son curriculum vitae, il faut savoir qu’il séjourne dix ans au Japon avant de s'installer à New York en 1995. Formé à l'École de Théâtre de Shanghai, Cai explore les propriétés de la poudre à canon, ce qui le mène à l'expérimentation d'explosifs à grande échelle et au développement de sa "marque", symbolisée par des événements pyrotechniques. Ses installations, inspirées du feng shui, de la philosophie occidentale, ainsi que des débats sociaux contemporains, mettent en valeur une approche adaptée à un espace, à sa culture et à son histoire.
Pour Travels in the Mediterranean, Cai Guo-Qiang opère une performance dans les Anciens Abattoirs de Nice, dont le résultat, un dessin 28 mètres de long (réalisé avec des pigments et de la poudre à canon) est exposé dans la première salle du MAMAC, sur un mur incurvé, devant un parterre d’eau. Cette fresque retrace les impressions d’une étudiante de Shanghai face à la découverte du territoire azuréen. Si Klein avait, dans les années 60, utilisé le corps d’une femme en guise de pinceau, Cai, lui, recueille les émotions que nos paysages ont fait naître dans le cœur d’une jeune « Shangaiaise ».
Dans la seconde salle du musée, Reflexion-a gift from Iwaki, une gigantesque épave de 15 mètres de long, emplie de porcelaine, relate la découverte d’un bateau échoué sur la plage japonaise d’Iwaki, que Cai excave avec des volontaires, pour l’exposer ensuite au Iwaki City Art Museum. Plusieurs fois renouvelée pour des expositions de par le monde, cette invitation au voyage a été reconstituée ici, avec l’aide de sept pêcheurs d’Iwaki.
Dans la troisième salle, cinq installations vidéo offrent un aperçu du travail pyrotechnique de l’artiste. Connu pour ses expositions au Guggenheim, à Bilbao, et sa participation à la Biennale de Venise, Cai Guo-Qiang a marqué le grand public par sa contribution aux cérémonies des jeux olympiques de Pékin.
HJG
De juin au 28 novembre 2010
Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain, Nice

Paru dans le magazine COTE , juin 2010

Cet été, de l'art partout sur la Côte d'Azur, Volet 1

2010-07-09T18:01:00.008+02:00

Comment et par qui commencer ? Sans doute par la très spectaculaire exposition de Cai Guo-Qiang au MAMAC et surtout les deux journées de performance aux Abattoirs ou l’artiste chinois a fait la démonstration de travail en équipe ou plutôt… de faire travailler une équipe. On est Chinois ou on ne l’est pas ! C’était impeccable, impressionnant, précis et les étudiants des deux écoles qui ont fourni à Cai du matériel humain peuvent désormais dire qu’ils ont vraiment participé à la création d’une œuvre. Curieusement peu de spectateurs ont participé à l’événement ? Etions-nous triés sur le volet et lequel ? En tout cas l’expérience était magnifique et beaucoup ont regretté de ne pas avoir participé.
Restée de 14 heures à 19 heures le deuxième jour pour voir dans le détail la fabrication de cette œuvre gigantesque exposée depuis le 11 juin 2010 au MAMAC à Nice, je n’ai pas perdu une miette des étapes de la création de Travels in the Mediterranean. Ce dessin de 28 mètres de long, réalisé par Cai avec des pigments et de la poudre à canon, décrit le ressenti d’une étudiante de Shanghai face à la découverte du territoire azuréen. Pour la petite histoire, la jeune-fille qui s’était égarée dans le Vieux-Nice (le Vieux comme on dit maintenant) a été secourue par un jeune-homme qui l’a emmené chez ses parents, du côté de l’Ariane (je crois), parents que la jeune artiste à croqués et qui figurent désormais dans une partie de la fresque. C’est un peu comme ça que Cai Guo-Qiang travaille, avec le terreau existant et les aléas qu’il engendre, donnant naissance à une œuvre où la pensée et les gestes de l’artiste s’enrichissent d'une multitude de facteurs imprévisibles.

Tournée

2010-07-05T23:14:00.003+02:00

Voilà un bout de temps que je n’ai pas alimenté mon blog pourtant ce ne sont pas les événements qui manquent sur la Côte ! Des expositions un peu partout, beaucoup de belles et de bonnes…
C’est d’ailleurs la raison de mon silence passager car COTE m’a demandé plus de textes qu’à l’habitude ce dont je ne me suis pas plainte, bien au contraire.
Avant de vous parler de cette plongée dans le bouillon artistico-plastique local et simplement parce que c’est encore tout frais je voulais dire quelques mots sur Tournée de Mathieu Amalric, un film qui, comme vous le savez, a eu le prix de la mise-en scène au festival de Cannes.
Utilisant mon pass de la Fête du cinéma 2010 qui me fut remis lors de ma première visite au Rialto (mon cinéma attitré) pour voir Les petits ruisseaux dont je ne vous parlerai pas car je n’ai envie, ce soir, que de m’enthousiasmer, je me suis précipitée sur Tournée et grand bien m’en a pris car j’ai aimé ce film d’un bout à l’autre. Prix mérité certes, bien que peut-être d’avantage celui du scénario original que de la mise en scène, l’œuvre est comme son créateur, Mathieu Amalric, atypique, insolite, extrêmement touchante et tout à fait inattendue malgré ce « bastonnage » d’images fait par la télé et la presse écrite… Mais qui s’en plaindrait, c’était drôle, pas prétentieux et tellement réconfortant de voir cet auteur français (enfin), affublé de ces belles et plantureuses femmes, arpenter la Croisette en riant et retenir l’attention des médias…
Eh bien ! Et c’est là encore un petit miracle, même gavés d’images de Tournée, on n’a rien vu tant qu’on n’a pas vu ce film qui n’arrête pas de nous surprendre par la vérité des corps de ces femmes et de leur façon de s’en servir, par le personnage de Mathieu Amalric en producteur tendre et déglingué qu’on croit au bout du rouleau mais que la tendresse fait rebondir ; en père paumé qui offre à ses fils un week-end d’enfer, finalement délicieux tant il est à l’opposé de ce qu’attendent deux gamins qui retrouvent leur père pour un bref moment… pleins d’autres précieux instants encore… Cet instant de drague entre la pompiste dans sa cage de verre et Amalric, si subtil, si délicat… Drague aussi de l’adorable danseuse blonde, très Marylin avec plus rondeurs, au bar de l’hôtel et… la suite ! Enfin vous en trouverez d’autres, j’en suis sûre, toujours surprenants, touchants et si tendres… C’est en effet l’adjectif qui me revient constamment en tête, un film tendre et pas mièvre… que c’est réconfortant !

Axel Pahlavi

2010-06-15T18:47:00.010+02:00

C'est Axel Pahlavi, à regarder absolument.! En ce qui me concerne, no comment! Simplement, j'adore !
La vidéo est à regarder vite car ensuite l'accès ne sera plus possible...
http://videos.arte.tv/fr/videos/l_art_la_maniere-3269924.html

On n’est pas près d’être couchés avec Benhamou et Zemmour !

2010-05-30T20:05:00.005+02:00

Je suis très en colère contre Georges-Marc Benhamou et ses indignations !
Ce qu’il a dit hier dans l’émission « On n’est pas couché » est indigne de quelqu’un qui se veut journaliste et homme de lettres ! Sa bordée d’injures envers Eric Zemmour, qui s’était permis d’émettre de menues réserves sur l’interprétation que Benhamou fait de la parole qui lui a été confiée par « Les rebelles de l’an 40, les premiers Français libres », signait la prétention incommensurable de cet homme qui semble croire que tout lui est permis depuis qu’il a reçu l’amitié tardive de François Mitterrand.
Je n’ai pas lu ses livres dont la parole, intouchable à ses yeux, a pourtant été plus d’une fois contestée, mais je lis régulièrement « sa semaine » du dimanche dans Nice-Matin où, se mettant toujours en première ligne : « moi je… j’y étais… j’ai déjeuné avec mon ami X (toujours un personnage connu) qui me disait… », il relate les événements qui ont eu droit à son admiration ou à sa détestation !
Ma détestation à moi, celle d’hier soir, elle s’est d’abord construite en observant les attitudes de ce grand courtisan, tout au long de l’émission de Laurent Ruquier. Préparant son coup : sourire carnassier, prestance et séduction pour chacun, avec une préférence pour ce qui est jeune, le public, supposé de gauche, Anémone, baba-cool écolo, un merveilleux humoriste (un Desproges ressuscité dont l’irrespect ne pouvait pas être de droite pour notre grand analyste), Georges-Marc Benhamou, à la première réflexion d’Eric Zemmour sur son livre, a fait éclater sa ire : "fasciste, à droite de Pétain." Il revint ensuite sur les propos de Zemmour à l'encontre "des Noirs et des Arabes" sur le plateau de Salut les Terriens et sur sa chronique contre l'avortement sur RTL : "Cela fait des mois que vous me chauffez les oreilles, vous êtes un fasciste. Ce n'est pas parce que vous êtes juif que vous pouvez vous permettre cela. Vous êtes un alibi pour l'extrême-droite !"
Loin de partager et d’absoudre les mots d’Eric Zemmour, pour lesquels il a demandé d’ailleurs à être excusé, dois-je rappeler à Monsieur Benhamou qu’en effet, on peut être juif et raciste ; il suffit pour cela d’observer la politique d’Israël dans les territoires occupés !
De lui dire qu’il a fait un mauvais calcul avec cette polémique : attiser la haine fait que souvent elle se retourne contre vous (ce public, qu’il a tenté de caresser dans le sens du poil, l’a hué !).
Enfin, que je dirais que ce que j’aime chez Zemmour même si je déteste ses convictions, c’est le courage avec lequel il les exprime et les défend, surtout quand elles sont outrancières et à contre-courant de la mode. Ce courage, ce n’est pas en naviguant au plus près du pouvoir qu’on le gagne, mais en restant fidèle à ses idées quel que soit le sens du vent...

Un peu d’art à Cannes …

2010-05-24T18:48:00.003+02:00

Laissant la Croisette aux festivaliers, j’ai fait un tour à Cannes pour me faire une idée sur Art Affair, qui s’annonçait comme une foire d’art contemporain et participer au vernissage que la galerie B.A.N.K qui organise chaque année au rez-de-chaussée du 3.14 Hôtel, un vernissage d’un(e) artiste de la galerie. C’était Miss Marion cette fois (une belle plante qui aurait pu aisément monter les marches du bunker cannois) qui exposait les traces photographique de ses obsessions hollywoodiennes, pas du tout déplaisantes. Miss Marion, surtout performeuse, se produisait ensuite sur le roof de l’hôtel ,dans une ambiance chauffée à blanc par JS Petula Claque & Axel Kahn et des alcools bien mixés…
Rien d’aussi chaud et réussi dans un des petits salons du Carlton où dans les organisateurs d’Art Affair, ouvraient (avec retard) les portes de ce qu’ils prétendaient être une foire d’art contemporain. Je n’irai pas plus loin dans la description de cette manifestation pour ne pas prononcer les mots que seuls les gens bernés par cette plaisanterie pourraient employer à son sujet. Tout était inexact, depuis les allégations des organisateurs jusqu’aux promesses faites par la plaquette. Quant aux galeries qui devaient y participer … Seuls quelques égarés comme la galerie Marie-Laure de l’Escotais, la galerie Ferrero, Uwantart… avaient une réelle existence. Quant au reste ? Des personnes s’exposant elles-mêmes, un stand de robes, un autre de bijoux et le tour était joué !
Pas très grave pour les peu nombreux visiteurs… mais plus sérieux pour les malheureux galeristes qui avaient fait le voyage pour participer à un… non événement.

quand il s'agit de bien manger

2010-05-21T11:00:00.005+02:00

Juste quelques lignes pour vous parler de deux lieux à Nice où il fait bon prendre ses repas dans un cadre plus qu’agréable.
L’un n’est pas récent mais se renouvelle constamment, c’est l’hôtel Windsor dont on connait l’originalité : ses chambres crées par des artistes (voir son site dans ma liste) et ses expositions dans le hall (en ce moment Kristof Everart qu’on retrouve aussi avec Scénographie géographique (part 2*) chez Loft/Sandrine Mons). Mais il faut aussi déguster la cuisine du Windsor, elle est excellente, servie soit dans le jardin (de rêve) soit dans le bar très british (seulement quant à la déco, rassurez-vous !)
L’autre vient d’ouvrir c’est le grain de sel, 4 rue Pierre Devoluy, qui offre uniquement à midi jusqu’en juin 2010, une délicieuse cuisine simple et raffinée.
Jean- Fré, son propriétaire a eu, pendant plus de dix ans, deux excellents restaurants à Atlanta, (Géorgie) qu’il a vendus pour retrouver ses racines niçoiso/corses, cela pour dire que vous y trouverez aussi une vraie charcuterie de l’Ile, dont seuls ceux qui connaissent la Corse en profondeur, savent reconnaître le petit côté « fumé » incomparable.

fermé le samedi

Dans mes yeux...

2010-05-09T18:38:00.006+02:00

J’aurais aimé parler d’expositions à Nice ou sur la Côte d’Azur car c’est ici que je suis en ce moment mais j’avoue avoir vu peu de choses et surtout peu qui m’aient donné envie d’en parler… Que dire alors de « My Eyes Keep Me In Trouble » proposé par le CCNOA (Center for Contemporary Non-Objective Art) de Bruxelles, une exposition à laquelle s’ajoutait une sélection des productions de la galerie Eric Linard, le tout présenté dans les locaux encore tout neufs de La Station ?

Ce que dit la plaquette ; qu’il n’y a là, ni interprétation donnée par un commissaire, ni un artiste ni un groupe d’artistes mis en avant, ni discours théorique ( ?), ni d’ œuvres mises là pour être vues comme les accessoires d’une idée d’exposition, ni, ni… mais quoi alors ?

je dirais...une exposition de groupe, tout simplement, où les œuvres, là je cite : « parlent pour elles-mêmes en tant qu’œuvres individuelles ou étapes dans un voyage visuel offert, provoquant et encourageant la vision. (…). Le spectateur pénétrant l’espace recevra l’opportunité de « voir », d’explorer les différentes œuvres, leur poésie et leur langage, leur espace social et leur spécificité ». (Et on nous dit qu’il n’y a pas de commissaire !)

Il y a une deuxièmee idée que je trouve intéressante : les artistes sont internationaux mais selon les lieux, donc les pays où ils sont présentés, le choix inclut davantage d’artistes provenant du pays d’accueil ou alors… je n’ai rien compris ! Bon, je compte ; ils sont une vingtaine, 24 plus exactement, dont 7 Français… presqu’un tiers, c’est ça ; j’ai bien compris !
Alors, puisque je suis autorisée à laisser penser mon œil, je vais dire ce que j’ai aimé, sans emmailloter mon choix dans un quelconque discours :
-Relief N°2 (tétée chocolat) d’Ingrid Sinibaldi (France), ST N°20 d’Emmanuelle Villard (France)… Et puis ce que j’appellerais des post/post minimalos-conceptuels (car je ne sais pas ce qu’est l’art réductif), pas nouveaux, mais de qualité comme Clemens Hollerer,(USA, GB) avec In the City 14 ; Kyle Jenkins (Australie) avec Urban Geometries #238 ; Guillauem Millet (France) avec Sans Titre ; Tilman(Allemagne) avec Untitled …et Jan Van Der Ploeg (Hollande) avec Untitled (la photo).
De belles choses parmi les éditions d’Eric Linard, notamment un autoportrait d’Erik Dietman , mais les éditions… ne sont que des éditions !

J’étais partie pour parler du film argentin « Dans tes yeux » et finalement« My Eyes Keep Me In Trouble » m'ont réellement mise en trouble. L’Argentine ce sera pour la prochaine fois !

La Comtesse, Le mariage à Trois, Mammuth : un choix bien difficile...

2010-05-02T17:14:00.010+02:00

Cruel dilemme ce vendredi pour nous trois (comme le mariage) pour choisir le film qui allait nous faire passer une agréable soirée… Jusqu’au moment de filer notre billet à la gentille dame du Rialto (le cinéma), nous n’avions pas encore pris notre décision. Est-ce parce que le type devant nous a dit « Mammuth, » qu’on a embrayé sur ce choix ? Eh puis, on s’est dit aussi : va, il vaut mieux rire que se prendre la tête avec l’éternelle triangulation chère à nos auteurs français… Nous voilà donc installés (bien) pour voir Depardieu caracolant sur sa Mammuth (la moto).
Je sais ; trois étoiles partout, les critiques dithyrambiques, Depardieu, le monstre sacré, et un goût prononcé pour les Grolandises de Benoît Delépine et Gustave Kerven, tout aurait du me remplir de joie…Eh bien, ça a raté !
Avant de poursuivre, je voudrais faire une remarque très anti commerciale : mettre les 2 ou 3 scènes les plus réussies dans les bandes -annonces des films dits « drôles », fait que, comme prévu, ça attire le chaland mais qu’on en sort souvent (moi en tout cas) en se disant qu’on aurait pu s’abstenir d'aller voir le film !
Ce n’est pas le cas avec Mammuth, surtout parce que c’est dans la détresse (un retraité paumé , berné) et la tendresse (celle en particulier des femmes qui l’entourent) que le film est attachant, mais quand même : à part l'altercation entre Depardieu, ouvrier d’une usine d’abattage de porcs, amoureux de son travail, et Gustave Kervern, amer smicard de super marché, qui restera un grand moment grolandais, j’ai eu peine à sourire, alors que dans la salle la moindre réplique déclenchait un torrent de rires . J’étais tendue, je crois, face à ces personnages dérisoires.
Ce n’est qu’au moment où Benoît Poelvoorde, minable ramasseur de métaux sur la plage, dit à Depardieu qui vient enfin de trouver une gourmette, «eh bien, moi l’autre jour j’ai trouvé une montre Jean-Pierre Cardin » que j’ai éclaté de rire, comme si le couvercle qui bouclait tant de triste médiocrité s’était enfin soulevé ! Un fou rire qui a gagné mes voisins comme lorsque, tragiquement, on se met à pouffer à un enterrement !
Côté positif, Yolande Moreau, est-il besoin de le dire, est d’une phénoménale justesse. Sa conversation téléphonique avec un préposé de la sécu à qui elle épelle son nom : Pilardosse est un grand moment ! D’autres petites touches sont là, tragi-comiques, surtout en ce moment de remise en questions des retraites…
Pourtant, je n’arrive pas à croire à un Gérard Depardieu doté d'une naïveté stupide tout au long du film qu’à la rédemption d’un Serge Pilardosse sauvé par l’amour. Quant à Adjani, que venait-elle faire dans cette galère ? Elle est pathétique !

New York I love you

2010-04-27T13:41:00.010+02:00

Legende : Chris Cooper et Robin Wright Penn

Ce film, résultat d’un travail collectif de 11 court-métrages, faisant chacun environ 10 minutes, réalisé par Mira Nair, Fatiha Ain, Yvan Atal, Allen Hughes, Ghakhar Kaur, est conçu sur le même principe que Paris je t’aime (que je n’ai pas vu). Il met en scène, dans cinq Bouroughs de New York, du Damon District à Chinatown, de l'Upper East Side à Central Park, en passant par le Village, TriBeCa, Brooklyn et bien d'autres encore, des histoires de brèves rencontres (sauf le dernier récit, finalement le plus réconfortant !).

Chaque partie n'a pas de lien direct avec les autres mais elles tournent toutes autour du même thème : Trouver l'amour. Les séquences, bien liées entre elles, échappent au danger de la juxtaposition sèche, fréquent dans les films à sketches, alors que là, les protagonistes, ce qui est nouveau dans ce genre, se baladent d’une histoire à l’autre, jouant des personnages de premier ou de second plan…

La forêt des gratte-ciel, Central Park, la rue, les taxis, les restaurants etc., sont montrés autrement.... Mais surtout ce qui fait la différence et par là même la qualité du film, c'est la peinture psychologique des personnages, juste par petites touches, sans verbiage (ce n’est pas du Woody Allen...). Ces histoires nous disent (et moi qui ai aimé et vécu à New York, je sais combien c’est vrai) l’incapacité des hommes à aimer sans culpabilité ou crainte de l’échec ; leur manque d'intérêt pour les femmes, une fois qu’elles sont leur propriété, et la détresse que ça provoque en elles (la scène du restaurant) ; la naïveté du mâle face à la vérité toute crue de certaines femmes (le type et la prostituée chinoise) ; leur indisponibilité à écouter, sauf leur portable ; l’illusoire interpénétration des communautés…
Je ne sais si les New-Yorkais ont vu le film, et si oui, je ne pense pas qu’ils l'ont aimé car il est, très finement, un regard sans concession sur leur behaviour.*
Ce film est le second volet de la série des «Villes de l'amour», conçue par Emmanuel Benbihy qui produit ce film avec Marina Grasic.
Avec : Nathalie Portman, Hayden Christensen, Rachel Bilson, Andy Garcia etc.

*façon de se comporter

Sans Titre

2010-04-21T19:31:00.005+02:00

Petite note

Que s'est-il passé avec La Caméléone ? Le titre a disparu ...

parce que des amis de confiance ont fait la moue à l'énoncé de ce nom donné à mon livre...

Comme rien n'est définitf et surtout pas les bolgs, je me suis dit :pourquoi ne pas en changer ? et je l'ai appelé : Sans Titre.

Mais ça n'a pas duré, car Sans titre n'a rien à voir avec l'histoire alors, pour l'instant, mon livre est vraiment sans titre !

Il était terminé depuis un an mais le voilà enfin imprimé ce roman qui fut en gestation depuis près de 15 ans et qui part aujourd’hui (vous vous en doutez, vu ce qui est dit ci-dessus, il n'est pas encore parti!), sorte de bouteille à la mer, vers quelques adresses intéressantes dans l’espoir d’être édité… De quoi ça parle ? Je ne saurais pas faire le pitch, mais pour en donner la couleur, je reproduis ici un petit texte qu’on pourrait appeler :
Avant-propos.

Les personnages de cette histoire sont imaginaires, mais le monde dans lequel elle se déroule ne l’est pas, ni les lieux où les protagonistes se meuvent. Pour une meilleure compréhension du milieu artistique, toile de fond de cette aventure, il me faut préciser que le livre décrit une période qui se situe dans les années 80, entre 84 et 90 plus exactement. Cette précision est nécessaire pour saisir l’atmosphère artistique de cette époque où l’on se passionnait pour les jeunes artistes, avec plus ou moins de discernement, où quiconque ayant un goût pour l’art se lançait dans les plus fantaisistes et périlleuses des initiatives, sans ce professionnalisme qui est de règle aujourd’hui et qui fait de l’art un « business » à part entière où l’argent occupe une place primordiale.

Les médiocrités satisfaites

2010-04-21T14:07:00.009+02:00

Après plusieurs articles sur ce qu’il y a de moins intéressant à Nice en matière d’art actuel, Nice-Matin du 20 avril 2010 relate, sur deux tiers de pages, le point de vue des propriétaires de la galerie "Princesse de Kiev" qui affirment leur inculture avec satisfaction et dénigrent tout ce qui n’est pas « eux ». En premier lieu ce que, d'une façon assez ambigüe, le journaliste a mis en titre "Venez chez nous, vous y verrez de vrais artistes" une comparaison avec ce qui se montre ailleurs, Ce n'est pas comme tous ces artistes subventionnés ou comme ces étudiants de la Villa Arson qui ne savent même pas dessiner ! ou encore Regardez ces cochons du MAMAC… Qui aurait envie d’en avoir un à la maison, pour vomir tous les matins en le voyant(il s’agit des cochons naturalisés et tatoués de Win Delvoye)

Alors, Daniel Duhautbout (puisque c'est votre nom...) C’est quoi un vrai artiste ? comment le reconnait-on ? En le passant aux rayons X, en le trempant dans un bain d’acide, en le soumettant à un questionnaire ?
Plus sérieusement, Je pense qu’une connaissance de l’histoire de l’art, un bon œil, une grande dose de curiosité et surtout beaucoup d’humilité, sont d’assez bons critères …
Curieuse, j’ai demandé à mon ami Google de me donner son point de vue sur la différence entre « le vrai et le faux » et j’ai lu ce texte, dont je n’arrive plus à retrouver l’auteur mais que je vous soumets car je l’aime beaucoup :

« L’art est le résultat du maniement de cette aile de papillon qu’est le mystère du style. Au dessus de tout autre chose, la qualité du style éclaire dans l’analyse d’un tableau. Molière n‘a pas de génie par les mots qu’il emploie, mais par le sens que prennent ces mots dans sa gymnastique cérébrale. Il en est de même en peinture. Tous les détails pareils, ici et là, ne feront pas que deux tableaux seront de même qualité, ni dus au pinceau du même peintre; mais l’autorité d’une ligne, la précision d’un geste, la compréhension d’une construction, la pureté d’une forme, la transparence d’une ombre, la souplesse d’un passage de couleur, la beauté de la matière, indiqueront bien vite si l’on est en présence d’une œuvre de maître… Le meilleur copiste ne peut, sans trahir une faiblesse, reproduire les qualités d’un original, parce qu’il n’a pas, dans son souci d’exactitude, la possibilité de se lancer avec une entière liberté. Le meilleur truqueur sait, lui, que l’hésitation est interdite, mais dans son apparente hardiesse il ne peut s’exprimer avec la perfection sobre de son inspirateur. N’étant « que lui-même », il donnera le sentiment des distances aux points essentiels de son travail; certes il ne fera pas un bras trop long ni une jambe trop courte, mais c’est aux accents vitaux qu’on le prendra, escamotant ce qu’un maître aurait indiqué avec force, ou piétinant sur ce qu’il n’aurait qu’effleuré de sa griffe personnelle. Il est bon de se souvenir que certains défauts sont incompatibles avec certains talents. On peut imaginer César Franck faisant une fausse note en improvisant à l’orgue, mais on peut être sûr qu’il ne s’égarait pas de la ligne générale de l’harmonie cherchée. De même un peintre, entraîné par sa fougue, peut commettre des erreurs, mais elles sont presque toujours l’exagération d’une vérité.

Coca-light taille Lagerfeld

2010-04-19T19:11:00.004+02:00

Lu :
« Le couturier appose son style et sa célèbre silhouette sur la bouteille aluminium Coca-Cola light et livre une création exclusive aux accents très chics. Photographiée par le célèbre créateur, la bouteille Coca-Cola light by Karl Lagerfeld sera dévoilée le 28 avril 2010 dans la nouvelle campagne publicitaire que Coca-Cola light a également confiée à Karl Lagerfeld(…) »

Pourquoi pas une campagne sur la bouteille Perrier, sympathique et bien ventrue, avec l’effigie du Grand Karl avant qu’il ait perdu sa brioche ?

La Maculée Conception

2010-04-19T10:57:00.004+02:00

"Yves Hayat avoue s’intéresser plus à la manipulation du réel et à ses images «imaginées». Véritable consommateur visuel, il photographie, télécharge, retouche, recadre… bref il met en scène. Par un jeu de superpositions, de décalages, de détournements, il met en confrontation le passé et le présent, la beauté et l’horreur, l’indifférence et le fanatisme, le réel et l’imaginaire. "

Les oeuvres récentes d'Hayat vont être exposées à partir du 16 mai... Vous pourrez lire mon compte rendu après ma visite à la galerie Art Seiller - Saint -Paul-de-Vence.
Publié par Lola Gassin à l'adresse

"La Maculée Conception", 2009 , Impression jet d’encre sur papier Fine Art aquarelle.

17:54

Quelques jours encore, aux Antiquités d’ Antibes.

2010-04-14T01:25:00.007+02:00

C’est jusqu’au 19 avril, il vous reste un peu de temps pour trouver le meuble, l’objet, le bijou rares, les propositions ne manquent pas ! J’aurais volontiers déménagé le stand d’Alain Braunstein, la table presque carrée de Diego Giacometti sur le stand Tirant Francky, mais ma faiblesse, c’est la peinture alors c’est d’elle, et d’elle encore, que je vais parler pour signaler, comme ça en passant, quelques belles pièces, et pas forcement contemporaines….
La galerie Michel Estades avait un bien joli Dufy, « Clair de lune à Nice», 1948 ; un autre ravissant Dufy était accroché galerie Fleury ; Jean-François Cazeau proposait le « Portrait de Madame Martin » par Manet, une « Madone à l’enfant », 1911 peinte par Chagall, un dessin de Giacometti, un dessin de Modigliani « Portrait de Béatrice », un Chagall encore, « Le coq au bord de l’eau », une encre aquarellée de Tanguy et… pas de raton laveur !
Iils peignent, ils dessinent ces artistes, mais ils écrivent aussi et se font photographier ! Artecosa expose dans son « cabinet de curiosités » des autographes et des photographies de Monet, le Corbusier, Brahms, Verdi et tant d’autres ... passionnant !
Allons maintenant vers du plus proche : deux petits Alighiero Boetti, Studio Antiquario Zora ; un grand et beau Combas, galerie Alexis Penchez ; une compression de cartons de César, des violons d’Arman, un néon de Treacy Emin, galerie Gismondi ; Crash, Daze, Sharp et d’autres graffitistes, galerie Hellenbeck … Le Port d’Antibes accueille tout ce beau monde ; on chine, on flâne, on déguste de délicieux poissons … Tout se mélange, les genres, les époques, le public, qu’il sorte d’un yacht ou d’une roulotte !

Vincent Corpet, les derniers jours...

2010-04-12T14:50:00.007+02:00

Le Puzzle de Vincent Corpet
« (…) Il y a un tas d’autres arts, d’autres moyens d’expression qui permettent le commentaire, la peinture c’est la seule justification pour moi aujourd’hui, c’est quand elle bloque tout commentaire (…). »
Après ça, étonnez-vous que Vincent Corpet ne soit pas le chouchou de la critique ! Et moi, que me reste-t-il à faire, si ce n’est de chercher dans ses boutades, et surtout dans le puzzle de sa peinture, le sens de son œuvre ?
Fascinée par le travail que j’ai sous les yeux comme par ce tonitruant personnage au physique à la Jacques Brel, moins les cheveux, je me plonge avec délectation dans le fascicule qui accompagne son exposition à Nice.
Vincent Corpet, avec une apparente désinvolture qui pourrait laisser croire qu’il se moque de son interlocuteur, donne dans ce texte de précieuses clés de lecture pour son œuvre, mais plus généralement sur ce devant quoi nous nous trouvons lorsque nous contemplons une image, ou plutôt, sur ce quelque chose qui « au départ était l’image »… L’enfant (nous), qui pendant ses cinq premières années se sert d’images pour percevoir le monde, les reconnaît, quelle que soit leur hiérarchie (haut, bas, gauche, droite). Ensuite, ayant appris à écrire, sa communication s’accélère mais il perd, en contrepartie, son pouvoir d’identification immédiate des choses.
A propos des titres des œuvres comme de leur appartenance à une série, Vincent Corpet préfère parler d’analogies. Les pièces ont un numéro d’inventaire et comme elles sont associées entre elles, leur totalité s’appelle « Puzzle ».
Comment lire alors ces grandes fresques mythologiques ? Comme un tout, qui peut être vu au sol, au mur, au plafond, dans l’esprit des peintures pariétales qui enchantent Corpet. Ces analogies qui n’obéissent à aucune logique formelle ou symbolique, sont des images qui se succèdent, se superposent, s’emboîtent, naissant les unes des autres et dont les compositions peuvent être des fragments de corps, des animaux, des végétaux ou bien même des objets du quotidien, des architectures… Ces souvenirs d’images engrangés par l’œil, par la mémoire instinctive, s’inscrivent au hasard et se combinent à l’infini.
HJG
Jusqu’au 16 mai 2010
Vincent Corpet à la plage et en ville
Galerie contemporaine du MAMAC
Galerie des Ponchettes
Paru dans COTE Magazine, N° 183, avril 2010

les histoires étranges de Wim Delvoye

2010-04-12T14:24:00.005+02:00

L’exposition de Wim Delvoye, trop sagement nommée Dessins & Maquettes, nous raconte, comme Walt Disney dont il imite la signature, des histoires où entrent en scène, non pas trois petits, mais huit gros cochons, une Blanche-Neige, érotomane néanmoins, et des châteaux transformés en cathédrales gothiques… Ajoutez à cela des crucifix Jésus twisted et vous aurez, il faut en convenir, l’œuvre excentrique (c'est-à-dire déplacée de son centre) d’un artiste qui ne cesse de nous surprendre !
Explorons les espaces consacrés aux trois thématiques : les cochons tatoués, les maquettes gothiques et les torsions elliptiques du Christ en croix. Dans chacune, des dessins réalisés aux crayons de couleur annoncent la matérialisation d’une idée.
Les premiers montrent un échantillonnage de tatouages où les images les plus triviales se mêlent aux signes religieux qu’on retrouve sur les cochons naturalisés. Au mur, de petits dessins relatent l’histoire de Blanche-Neige, de la Belle et la Bête… d’une manière très peu innocente !
Viennent ensuite les cathédrales fantasmatiques, toutes en pointes et en aiguilles, issues de dessins que Delvoye conçoit à l’ordinateur et qu’on perçoit, une fois réalisés en maquettes, comme monumentales et en même temps, dérisoires, petits bibelots kitch d’un magasin de souvenirs…
Dernier thème et non des moindres pour les susceptibilités bien pensantes déjà ébranlées par ses cochons empaillés, mais qui n’ont pas demandé à l’être, affirment leurs défenseurs, celui des Christ vrillés ! Delvoye considère ce symbole religieux comme un « logo », une signalétique qu’on peut retravailler. Associés les uns aux autres, les crucifix forment une chaîne (on pense à la couronne d’épines, au chapelet…) qui s’articule en boucle, dessinant dans l’espace ce nœud de Moebius, figure de l’infini, qui interroge les esprits, même les plus matérialistes…
Wim Delvoye, est un artiste international qui reste cependant ancré dans une tradition flamande ; il se passionne pour la science, la spéculation (son projet Cloaca est coté en bourse) mais reconnaît et applique le savoir-faire des artisans dans ses réalisations ; il est irrespectueux, ambigu, excentrique et son art, comme le dit Hélène Depotte, sa préfacière : « C’est un art d’équilibriste, une parabole de la démesure et de la maîtrise technique et de sa nécessaire chute. »
HJG
Jusqu’au 23 mai 2010
MAMAC, Nice
Paru dans COTE Magazine, N° 182, mars 2010

on a verni à Nice la semaine passée

2010-04-12T12:30:00.003+02:00

A la galerie Ferrero, après ses Robes, Hierro présentait 15 pièces montées, sous cloche, faites d’une accumulation de petits animaux barbouillés de couleurs, dont un détail était chaque fois agrandi et reproduit sur de grandes photographies couleurs…
A la Menuiserie, le nouvel espace de Simone Dibbo-Cohen (pas facile à trouver, j’ai du sillonner le boulevard de la Madeleine de bas en haut et de haut en bas), on pouvait apercevoir l’installation de Miryan Klein, au milieu d’une foule en délire devant les clowneries de Jean Mas, filmées par Ben qui doit bien avoir aujourd’hui, au moins une année de projection d’images !
A quand la monteuse de génie pour faire œuvre avec tout ça ?
Plus sérieusement, ne manquez pas si vous n’y êtes pas encore allés, Win Delvoye et Vincent Corpet au MAMAC et de Galerie des Ponchettes.
(Lire mes comptes rendus dans le prochain message.)

Nice, le retour

2010-04-06T16:27:00.013+02:00

Avant d'attaquer les nouvelles de la Côte, juste quelques mots pour dire que durant cette semaine parisienne, chargée en nourritures intellectuelles mais aussi matérielles, j'ai très bien dîné (et non pas mangé, chers amis niçois) à "Yard", un super bistrot franco/américain pour la gestion, mais plutôt franco pour la bouffe...
midi et soir
Yard
6 rue Mont-Louis
75010 Paris
(métro: Philippe-Auguste)
tél : 01 40 09 70 30

Paris, dessin à gogo

2010-04-06T16:06:00.008+02:00

De quoi se payer une overdose de dessins puisque les intelligents organisateurs n’ont rien trouvé de mieux que de faire trois salons quasiment en même temps :

« Salon du dessin contemporain », Carrousel du Louvre, 25/28 mars

"Le salon du dessin 2010 », Place de la Bourse, 24/29 mars;

Et enfin, dans un hôtel particulier, le « Premier salon du dessin contemporain », que son organisateur, Jean-Yves Mesguich, définit ainsi auprès de sa jeune intervieweuse : « l’idée de faire un salon est de donner une nouvelle reconnaissance du dessin contemporain qui, quelque soit le médium et les mouvements artistiques, a toujours existé et n’avait aucune reconnaissance (…) ».
Si j’ai bien compris, moi qui suis allée au salon du dessin contemporain du Carrousel du Louvre, eh bien, je n’ai pas vu de dessins ! Elémentaire mon cher Mesguich !
Pas marathonienne pour un sou, je me suis contentée de ce salon (celui du Louvre) dont des amis collectionneurs m’avaient vanté les mérites l’an passé, et qui m’a plutôt déçue. Est-ce le choix du lieu qui est passé du Carreau du Temple au sous-sol du Louvre où bien le manque de pièces prépondérantes, globalement, on s’y ennuie un peu ; pas de vrai choc, mais n’est-ce pas bien souvent le but du dessin, d’être celui de l’étude, de la recherche pour arriver à plus fort, plus grand ? Allez, je vous le concède je ne suis pas une fanatique du dessin mais pourtant j’ai été époustouflée par les grands portraits de Gregory Forstner, proches de ses mêmes portraits en peinture, tracés à grands coups de noirs, à la fois puissants et raffinés, galerie Zink . Très forts aussi, en traits et couleurs, les petits formats de Robert Combas, galerie Hélène Trintignan. J’ai aimé, galerie Aline Vidal, les personnages d'Elika Hedayat, qui racontent, avec humour, la tragédie iranienne. Galerie martinethibaultdelachâtre, Achraf Touloub écrit avec surabondance de détails, une version contemporaine des miniatures persanes. Beaucoup de Ben chez Lara Vinci, Catherine Issert et à l’entrée du salon et pour finir en beauté, galerie Catherine Putman, les œuvres superbement émotives de Champion Metadier, une artiste dont on peut admirer quelques pièces au MAMAC de Nice.

Illustration : Gregory Forstner

artparis

2010-04-03T19:59:00.010+02:00

artparis, sous la belle coupole du grand Palais, c’était pas si mal !
Un nouveau look, nous dit la plaquette, avec les « guests *» et les « plateformes »…
Surtout sans les mezzanines mal dessinées et instables de la FIAC (on compare c’est inévitable). Il faut dire qu’à artparis, la place ne manquait pas, ça flottait même un peu…
Dès l'entrée, une bonne impression avec l’ « Appartement de collectionneur « imaginé par les galeries Loevenbruck, In situ/Fabienne Leclerc, Jousse Entreprise, Downtown-François Laffanour et Georges-Philippe & Nathalie Vallois où je découvre «L’horloge d’une vie de travail » de Julien Berthier, une sculpture pleine d’humour et de poésie, superbement réalisée (eh oui, ça compte, même si on vous dit le contraire !)
Toujours sur la première rangée, deux excellentes galeries, RX avec les dessins de Françoise Pétrovitch, les coulées de peinture de Cédric Teisseire et Sémoise qui présente la jeune Amélie Bertrand et les tapis-nature de Piero Gilardi… Piero, on a un peu oublié à quel point il a été et reste un précurseur dans la remise en question de la représentation.
Ensuite le parcours devient plus disparate, avec quelques bonnes choses et d’autres... nettement moins intéressantes. Je m’arrête un instant, galerie Laurent Gaudin, devant les œuvres de Gérard Traquandi et les drôles de meubles de David Kramer. Un coup d’œil ensuite aux Combas de Laurent Strouk relégué au fond de la foire. Encore un pôle d’intérêt, la plateforme Finlande (des étrangers enfin !) où la galerie Forsblom présente HC Berg et ses « Visuel Vortex-Oily Colours-Butterflies-Waves » …
Peu de galeries étrangères, donc peu de visiteurs étrangers (l’un va avec l’autre), peu de monde mais c’était le dernier jour ; une grogne du côté de certaines galeries qui se plaignaient de tout : structuration, manque de pub, d’invitations de collectionneurs, etc.

Illustration : Amélie Bertrand

*L'anglicisme ce n'est pas de moi !

En savoir plus sur Pahlavi

2010-04-02T10:58:00.011+02:00

En partant d'actualités comme ce vernissage chez Eva Hober (voir une semaine parisienne) qui a été une grande réussite comme la soirée dans un club "extrémement privé" qui a suivi, j'inclus, histoire de rafraîchir les mémoires, un texte que j'ai écrit sur le couple d'artistes Pahlavi/Obrecht.

Pour la suite d'Une semaine parisienne ce sera demain, avec un compte-rendu sur Art Paris et le salon du dessin.

Axel Pahlavi/FlorenceObrecht

Il y a des couples d’artistes dont le travail ne fait qu’un, les Poirier, les Lalanne, etc., puis des couples dont les œuvres ont une profonde autonomie, Annette Messager et Christian Boltanski, Anna Eva Bergman et Hans Hartung, Dorothea Tanning et Max Ernst… Où ranger Axel Pahlavi et Florence Obrecht, ces deux jeunes peintres, parmi les couples/fusion ou ceux qui suivent des routes différentes ? J’opterais pour une troisième solution : celles des voies parallèles ! Et la preuve, s’il en fallait une, est que lorsqu’on tente de parler de l’un, c’est inévitablement l’autre auquel on le rapproche ou l’oppose. Il faut dire que travailler dans le même atelier, avec souvent la petite Liselotte qui trottine au milieu, n’est pas pour dissiper ce genre d'intrication.
Suivons d’abord Axel Pahlavi dont le parcours est hors du commun. En effet tout le monde n’est pas né à Téhéran, d’un père adopté par le frère du Chah d’Iran, et ne sens pas couler dans ses veines, du sang français mais aussi letton, polonais, allemand, anglais, danois sans oublier une touche de Kurde.
Ses études sont brillantes ; Matheux, il obtient son baccalauréat avec mention, suit une année à l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles puis aux Beaux-Arts de Paris, dans l’atelier de Vladimir Vélicovic, et obtient son diplôme avec les félicitations du jury à l’unanimité. Ajoutez à cela, une bourse à la Hochschle der Künste, un post-diplôme à l’Académie des Beaux-Arts de Sofia et vous aurez le jeune homme parmi les mieux formés de sa génération mais surtout, un des plus doué !
Florence, elle, est plus classiquement française. Née à Metz, elle suit les Beaux-Arts de Paris, dans les ateliers de Piffaretti et Kermarrec. Diplômée en 2001, elle ira à Sofia puis sera boursière de la Kunsthochschule de Berlin et de l’Hunter College of the City University of New York.
Depuis 1998, tous deux exposent en France et l’étranger. Installés maintenant sur la Côte, où ils ont exposé galerie Alain Couturier et Lola Gassin, ils ont fait de Nice leur port d’attache. Alors qu’ils travaillaient dans quelques mètres carrés, rue Blanche, ils s’enthousiasment pour l’espace Spada que la ville de Nice met à la disposition d’une cinquantaine d’artistes et disent combien ce confort apporte à leur travail.
C’est dans un atelier spacieux mais sans fenêtres, que Pahlavi nous a reçoit, entouré d’un immense portrait à la Zurbaran et d’une série de visages de femmes, étrangement torturés par la couleur et les coulées de peinture. Face à eux, les grandes toiles de Florence Obrecht mettent en scène, avec force, des êtres séraphiques aux regards candides et aux corps bien charpentés.
Comment concilient-ils ces différences ? Il y a peu d’interventions, dit Axel. «.Cependant, quand je fais une bonne toile, je vois l’intérêt du regard de Florence. J’essaye d’intervenir le moins possible sur le travail de Florence, de ne pas établir de rapport de force car j’aurais tendance à être très dogmatique : ça c’est bien, ça c’est pas bien. Heureusement que je ne suis pas comme ça dans la vie ! Je pense qu’aujourd'hui, je lui ai pris et elle m’a pris, c’est difficile de savoir ce qui appartient à l’un ou à l’autre Si Florence aime bien mon boulot, c’est un bon boulot. Trois ou quatre jours après, elle m’en parle sans que je le lui demande. Et c’est réciproque. Nous ne mettons pas de barrière et ça ne me dérangerait pas du tout qu’elle veuille copier un de mes tableaux. Nous envisageons d’ailleurs, un travail à quatre mains! Sinon, je nourris peu de la peinture des autres. Ce que j’aime, c’est Picasso, Bacon, Warhol etc., que je regarde dans les bouquins ou les expositions. Je me tiens aussi courant de peinture contemporaine ».
Axel Pahlavi et Florence Obrecht exposent depuis plusieurs années, ensemble ou séparément, dans des lieux alternatifs ou des galeries, avec MU, un groupe de jeunes artistes parisiens, avec la galerie (Evahober à Paris puis à Moscou en juin 2004.
A l’atelier, face à l’extrême violence de ses dernières toiles, je demande à Pahlavi s’il en connaît les causes : « l’artiste est très narcissique et le travail qu’il fait répond à ses besoins narcissiques. Je repense au XXème siècle, à Picasso, à Bacon. En mettant ensemble de nouvelles formes très différentes, ils recherchaient l’énergie plus que la représentation. C’est ce que je poursuis et malgré moi, au niveau de la forme, ça devient une figure violente. C’est du domaine de l’inconscient, de ce qui se passe derrière. Pour moi le tableau est réussi quand il y a vraiment une forte énergie à l’intérieur. Alors, est-ce qu’il y a moyen de mettre beaucoup d’énergie dans une figure et la laisser tranquille ? Je me pose la question. En même temps, j’utilise de plus en plus de figures qui viennent vers la mode. Chez mes jeunes filles, même s’il y a des choses monstrueuses, il y a quand même, qui flotte ici ou là, quelque chose de ce qu’on appelle le beau aujourd’hui. Mais ce beau est agressé par des gros coups de pinceaux, des coulées ; de belles choses mêlées à d’autres, très laides, dans une volonté d’en tirer encore d’autres, très différentes. En vérité, c’est nouveau et je ne connais pas ce qui va se passer ! Ce sont des tableaux difficiles à regarder. Mes prochains tableaux seront, un saint Sébastien et Florence en Olympia. Une peinture très XIXème, très peinture de chevalet, comme je n’ai encore jamais fait ! Je vais la photographier, d’une manière plutôt sensuelle mais je travaillerai ensuite sur une peinture épaisse, sur les transparences, les glacis… L’idéal serait que Florence pose, huit heures d’affilée mais c’est impossible. Les choses vont tellement vite aujourd’hui… Je me souviens qu’en Bulgarie, sans doute un héritage stalinien, on faisait encore poser les gens sans bouger des heures durant, une sorte de rapport de maître à esclave. Avec la photo, on évite cela mais c’est beaucoup moins bien. Le modèle est figé et pour mettre de la vie, de l’épaisseur, il faut l’exploser, le détruire!

Texte paru dans COTE Magazine en 2007

Une semaine parisienne

2010-04-01T16:02:00.007+02:00

Trois raisons de prendre la navette Nice /Paris : une visite à la famille, l’exposition Forstner, Ophuis, Pahlavi, Pencreac’h à galerie Eva Hober *, la Foire d’art contemporain Art Paris et le salon du dessin.

Commençons par cette exposition au titre solennel « Sic transit gloria mundi » « Ainsi passe la gloire du monde », une variante de « memento mori », « Rappelle-toi que tu es mortel ».
Ce thème très à la mode chez les plasticiens qui ont tendance à mettre des crânes partout (celui de Damien Hirst nous saute à la mémoire) ne devrait pas leur faire oublier les anciens, Philippe de Champaigne, Holbein, Peter Claesz, les anonymes … et leurs « Vanités », ce brillant exercice de l’art occidentale du XVIIème siècle, particulièrement en Hollande.
Dans « Sic transit mundi »Il ne s’agit pas de crânes pour nous rappeler que tout est vanité mais de la représentation d’un drame en quatre tableaux. Quatre artistes –quatre peintres- Gregory Forstner, Axel Pahlavi, Ronald Ophuis, Stéphane Pencreac’h, sans grande illusion sur l’avenir du monde, ont choisi de peindre chacun une « station » de notre parcours humain. Pencreac’h traite du sexe, Pahlavi de l’amour, Ophuis de la violence, Forstner de la mort.
Très grandes toiles pour la plupart, elles enferment le spectateur dans leur univers. Difficile d’échapper à la représentation d’une copulation sans mystère, frontale et en relief même, de Penchreac’h. Encore plus dérangeante, ce viol dans un camp de concentration, une pièce qui se veut trop ouvertement scandaleuse pour être convaincante. « The last Chamber » de Gregory Forstner, en revanche, nous projette dans un monde entre vivants et morts, entre hommes et chiens, que nous nous ignorons et qui, par là même, nous fascine. Une émotion encore plus intense nous étreint devant « L’amour est plus fort que la mort » d’Axel Pahlavi. Délicat comme une porcelaine et comme elle, prêt à se briser, le portrait d’une jeune-fille au masque de clown triste, sur un lit défait…
*Galerie Eva Hober, 9 rue des Arquebusiers -75003. Paris

avant-propos

2010-03-28T17:33:00.006+02:00

En gros, si j'ai ouvert cet espace sur les conseils d'une bloggueuse avertie c'est pour aborder des sujets qui m'intéressent et sur lesquels je ne peux pas être publiée, compte tenue de l'espace "timbre poste"* que le magazine pour lequel j’écris, m'offre pour m'exprimer. Les textes qu’on me demande concernent des expositions d'art contemporain ayant lieu exclusivement sur la Riviera française ou des portraits d'artistes que je propose avec insistance, sous le prétexte, pas toujours justifié, qu'ils sont les incontournables d'aujourd'hui ou les espoirs de demain...
Mon blog, tel mon sac-à-main, risque d’être un peu un inventaire à la Prévert, sans raton-laveur mais avec d'anciens textes légèrement chiffonnés comme mes kleenex, d’autres plus frais mais pas forcement du jour ; avec peut-être, des instants d’humeur mais surtout des joies passagères données par des livres, des films, des expositions, des musiques, des émissions de TV…, par le temps qui passe, le soleil qui brille et les amis avec qui on aime partager tout ça !
*1500 signes